CAPÍTULO 1
EDISON Y LOS ORÍGENES DEL CINE AMERICANO.
En 1888, Thomas Alva Edison conoce al autor de una de las primeras experiencias del cine, Muybridge, y, al año siguiente, en la Exposición Universal de París, Edison entra en contacto con otros inventores europeos que también intentan reproducir imagen en movimiento. Edison verá futuro en todas estas ideas e inventos y las promocionará en su laboratorio, de donde habían surgido tantos otros inventos relacionados con la electricidad. Su asociado William Kennedy Laurie Dickson será el inventor del Kinetógrafo, la primera cámara de cine, bajo patrocinio de Edison aunque será éste último el único en atribuirse el mérito ya que fue él quien patentó el invento a su nombre en 1891. Tras un conflicto entre los dos hombres, Dickson abandonó la empresa de Edison en el 1895 y éste se quedó con la fama además de con la patente.
Edison que no se preocupó de hacer válida la patente del Kinetógrafo fuera de los Estados Unidos y por eso los Lumière, que exportaron y mejoraron el cinematógrafo, son considerados inventores del cine. También fueron los primeros en organizar una proyección pública de sus films en el 1895 mientras que el sistema de Dickson sólo se había exhibido de manera individual mediante lo que se llamaba Kinetoscopio. Los Lumière supieron hacerse con la fama gracias a su gran visión y rápida actuación.
Comienza así una etapa de pruebas en que cada inventor -habrá más en otros países a parte de los mencionados- desarrollará su máquina de grabar y proyectar películas de cine. Pero en 1908, Edison querrá poner fin a esta relativa competencia y promocionará la Motion Picture Patents Company (MPPC) en que se agruparán los principales equipos del momento entre los que destacan el mismo Edison, la American Mutoscope & Biograph, Éclair, Essanay, Lubin, Selig, Vitagraph, World"s?, todas ubicadas en la costa este de los Estados Unidos. Quedaron así sujetos a la MPPC la producción y exhibición cinematográfica que debían pagar las tarifas fijadas por la misma organización. En 1910, la MPPC creó su propia distribuidora, la General Film Company, quedando así sujeta también esta parte del negocio. Además, la MPPC actuó como un verdadero oligopolio impidiendo la entrada de otros en el negocio, sobretodo en la producción de películas.
Estas primeras empresas agrupadas bajo la MPPC estaban dirigidas hacia la producción artesanal, barata y en masa de films que sirvieran de entretenimiento a las clases trabajadoras sin demasiada aspiración artística. Buscaban un beneficio seguro sin considerar las enormes posibilidades ni adivinar la trascendencia social que iba a tener en el futuro. Eran reacios a cambiar la fórmula que, de momento, aún sorprendía y triunfaba. Por eso los amos de éstas pretendían controlar totalmente a aquéllos que fabricaban, por decirlo así, los films que eran considerados trabajadores pero nunca artistas.
La MPpc no tendrá, a pesar de su poder, una vida demasiado larga. Otros verán posibilidades del cine e intentarán deshacerse del control ejercido por Edison y sus filiales tan pronto como se establezca el control de las patentes por parte de estas empresas. Para escaparse de la presión de la MPPC se irán a filmar a la otra punta del país, a California e importarán películas de Europa que exhibirán sin pagar ninguna tasa. Empezarán una serie de pleitos con la MPPC que finalmente, en 1914, será acusada de incumplir las leyes antimonopolistas por el gobierno federal. Esta circunstancia permitió la aparición de muchos productores independientes y también la irrupción en el mercado norteamericano de muchas películas europeas durante los años inmediatos.
CAPÍTULO 2
PARAMOUNT
Adolf Zukor fue el que consiguió sacar más provecho al nuevo sistema de producción de películas. Los estudios crearon un modelo de producción que buscaba la máxima rentabilidad de los films consiguiendo convertir el cine en un espectáculo de masas arriesgando y desvulgarizando el fenómeno. Zukor apostará en este contexto por un aumento del metraje de las películas, cosa que permitirá elevar el contenido narrativo de las mismas.
Así, Zukor importa y exhibe La reine Elizabeth, una película francesa que, además de ser mucho más larga que las que rodaban Edison y las empresas afiliadas, tenía como protagonista una actriz de teatro, Sarah Bernhardt, muy conocida en Europa y Norteamérica gracias a innumerables giras que la habían llevado por importantes ciudades de estos continentes.
El éxito de esta película le confirma las posibilidades del cine.
Aunque los largometrajes suponían una mayor inversión, permitían llevar a cabo un espectáculo coherente que tenía más éxito y permanencia. Por lo tanto, a medio plazo, daba importantísimos beneficios. El aumento de metraje se pudo sostener gracias a la aparición y consolidación del ya mencionado fenómeno del star-system que en estos momentos empieza ya a no ser proveniente del teatro. Este sistema conllevó una afirmación del sistema de estudios propuesto por las productoras. Las estrellas eran necesarias para promocionar estos films; debían ser suficientemente famosas y atrayentes para invitar al público a ver la película. Empieza así el fenómeno de la creación, mediante publicidad, de personajes a los que se atribuye una personalidad interesante y hasta ?divina? sin tener en cuenta cómo son en realidad.
En la creación de Lasky Feature Play Co. no sólo participó Jesse Lasky,Samuel Goldwyny Cecil B. DeMille fueron los otros dos artífices de la productora. El primero como importante y emprendedor socio inversor y el segundo como gran director que sólo se desvincularía de la casa durante unos pocos años de su vida. Zukor se unió a ellos fundando la que sería conocida como Famous Players-Lasky en 1915 y juntos afrontaron la fusión con la productora Paramount, que más tarde daría nombre a esta potente compañía que se consolidaba así como una de las más poderosas de las grandes de Hollywood.
LAS ESTRELLAS
Mary Pickford (1893-1979)
Esta mítica actriz del cine mudo nació en Canadá el 1893. Ella es una de las primeras estrellas de Hollywood, el personaje a que dio vida, la dulce adolescente de rizos rubios, triunfó y se consolidó de tal modo que muchos la consideran la verdadera iniciadora del star-system.
Tras una infancia difícil, logró entrar a formar parte de la Biograph en 1910 gracias a Griffith donde sucedió a la primera ?chica de la Biograph?, Florence Lawrence, que en aquel momento había sido contratada por IMP de Carl Laemmle. Pero las productoras independientes apostaron por los nombres propios y populares como ingredientes básicos en cualquier película de éxito e importantes beneficios.
Mary Pickford trabajó para Laemmle durante un breve período de tiempo y después, en 1912, volvió con Griffith. Pero en 1913 la Famous-Players de Zukor la contrataba empezando así una relación de dependencia que duraría hasta el 1919.
Al igual que su madre ?y manager?, esta importante actriz sobresalió por su visión del negocio y del fenómeno cinematográfico, lo cual le llevó a exigir y conseguir altos honorarios, dignos de una estrella de la época y finalmente a asociarse con otras personalidades del mundo del cine, Chaplin, Fairbanks y Griffith y fundar en el 1920 la United Artists Corporation, una de las pequeñas pero importantes productoras independientes americanas.
Mary Pickford no renovó sus éxitos en el cine sonoro, a pesar de que vivió hasta 1979. La aclamada inocencia y originalidad de su personaje pervivieron mientras su edad lo permitió. El intento por participar en películas como mujer adulta fracasó entre el gran público y abandonó el cine después de rodar por última vez en 1933 bajo la dirección de Frank Borzage la película Secrets. Con todo, la Pickford se convirtió en un mito (se la llegó a definir como ?la novia de América?) y es una actriz imprescindible a la hora de estudiar el cine americano.
En la Paramount protagonizó entre otras Tess of the Storm Country (1914), Less than the Dust (1916, A Little Princess (1917), Rebecca of Sunnybrook farm (1917), Poor little Rich Girl (1917), The Little American (1917), Stella Maris (1918), One hundred Percent American (1918),?
Sessue Hayakawa (1889-1973)
Hayakawa fue un célebre actor de origen japonés durante el cine mudo. Famoso por sus papeles de villano, llegó al cénit de su fama con la nominación al Oscar como mejor actor por su papel como el sanguinario comandante de un campo de prisioneros en El Puente sobre el Rio Kwai (The Bridge on the River Kwai, David Lean, 1957).
Sussue Hayakawa llegó a Estados Unidos en 1908 para estudiar en la Universidad de Chicago. Finalizados los estudios volvió a Japón y allí trabajó como actor. Cuando regresó a Estados Unidos firmó un contrato con el célebre pionero Thomas H. Ince. El film de Cecil B.DeMille La marca de fuego (The Cheat, 1915) le catapultó a la fama. En esta película interpretaba a un villano de una manera tan cruel y despiadada como nunca se había visto hasta entonces.
Hayakawa trabajó en numerosos films de ambiente exótico durante la época muda. En 1931 debutó en el cine sonoro con Daughter of the Dragon, una película de Fu Manchú en la que el actor japonés interpretaba al rival de éste. Tras recibir críticas muy duras emigró a Europa donde trabajó hasta finales de los 40, cuando volvió a Hollywood para actuar ?esta vez con buenas críticas? en films como La casa de bambú (House of Bamboo, Samuel Fuller, 1955), Tú, Kimi y yo (The Geisha Boy, Frank Tashlin, 1958) o Los Robinsones de los Mares del Sur (Swiss Family Robinson, Ken Annakin, 1960). A mediados de los años sesenta se retiró del cine y volvió a su Japón natal donde dio clases de interpretación y fue nombrado sacerdote Zen. Durante su carrera también realizó tareas de productor.
LAS PELÍCULAS
En 1913-14 se filma la que se considera la primera película rodada en Hollywood, The Squaw Man. La película trata de un chico inglés que noblemente encubre la culpabilidad de otro y huye al Oeste americano. La dirige Cecil B. DeMille en la productora Lasky Feature Play Co. que un par de años más tarde se fundirá con la Famous Players de Zukor. Esta película supone el ascenso definitivo para su director ya que se trata de un western basado en una pieza teatral estrenada en Broadway con gran éxito en el 1905. Gustó mucho al público convirtiéndose en un éxito también de taquilla. Es un film ya más complejo que los primitivos y sobre todo más largo. Las influencias europeas se hacen sentir en esta rápida evolución artística y formal del cine americano.
La marca de fuego (The Cheat)
Sinopsis argumental
Un hombre de negocios de Long Island, Dick (Jack Dean) vive una carrera de éxitos. Su mujer Edith (Fannie Ward) es una ambiciosa sin límites. Durante una gala para recolectar dinero para la Cruz Roja, Edith se siente tentada a imitar a su marido. Invertirá el en bolsa el dinero recaudado y lo perderá todo. Desesperada, pedirá ayuda a un conocido: Hishuri Tori (Sessue Hayakawa), un rico comerciante japonés miembro de la alta sociedad de Long Island. Éste accede a ayudarla a cambio de favores sexuales. Edith cederá, pero días después en un intento por librarse del acoso del japonés ?que la marca con un hierro al rojo?, le herirá de un balazo. Su marido, sin saber nada y enamorado de su mujer, se declarará autor del disparo.
Durante el juicio Edith, asustada por el cariz de los asuntos, desvelará todo lo sucedido.
Film producido por la Jesse L. Lasky Feature Play Company y distribuido y exhibido por la Paramount Corporation en 1915, fue todo un éxito allí donde se exhibió, tanto en Estados Unidos como en Europa. Dirigido con gran maestría por Cecil B. DeMille y con una gran actuación de Sessue Hayakawa como villano, el éxito de la cinta se debió especialmente a su escabroso tema. El film mostraba a una mujer sin escrúpulos ?antecedente de la femme fatale del cine negro?, de una manera novedosa y ciertamente atrevida para la época.
La película fue una de las trece que rodó DeMille durante 1915. Además de la brillantísima puesta en escena de DeMille y su atrevido guión, la cinta destacaba por el trabajo de sus tres intérpretes principales. Fannie Ward era una estrella del vodevil y el music-hall. La marca de fuego fue su primera película y la más famosa. Lo mismo pasó con su marido en el film y en la vida real real, Jack Dean. Estrella del musical, su película más recordada fue The Cheat. Pero el papel más brillante era el de Sessue Hayakawa como Hishuri, el villano japonés. Una actuación sutil y diabólica avalada por la crítica y el público. Sin embargo la película fue mal recibida por la comunidad japonesa residente en Estados Unidos. El film presentaba al japonés como un ser pérfido, calculador y sin escrúpulos. Debido a las protestas de organizaciones como la Asociación Japonesa del Sur de California y otros grupos, Paramount tuvo que hacer cambios en el reestreno de la cinta en 1918. El personaje de Hayakawa pasó a llamarse Haka Arakau, el rey del marfil birmano. Paramount decidió que la comunidad birmana era muy pequeña y no daría problemas, así que se inclinó por ese cambio de nacionalidad.
Las críticas en el estreno fueron rotundas y hoy en día La marca de fuego está considerada una de las mejores películas del cine mudo. Queda para la anécdota el hecho de que el film fue la primera cinta que tuvo una adaptación operística, La Forfaiture, fruto de un remake francés de la película con el mismo título realizado en 1937, en la que curiosamente Sussue Hayakawa repetía su papel.
Ficha Técnico-Artística
The Cheat (Jesse L. Lasky Feature Play Company, 1915)
Director: Cecil B.DeMille. Guión: Jeanie Macpherson y Hector Turnbill. Fotografía: Alvin Wyckoff. Decorados: Wilfred Buckland. Intérpretes: Edith Hardy (Fannie Ward), Hishuri Tori (Sessue Hayakawa), Dick (Jack Dean), James Neill (Jones), Hazel Childers (Mrs. Reynolds). B/N - 5 rollos.
LOS DIRECTORES
A pesar de contar con muchos directores, a los que Adolf Zukor siempre dio mucha fuerza y libertad en comprender que de ellos dependía en gran medida el éxito de las películas, de esta primera etapa sólo podemos destacar como creador y artista a Cecil B. DeMille. Este prolífico director que fundó junto a Laskila productora Lasky Feature Play Co. Trabajó casi toda su vida en la Paramount.
Cecil
B. DeMille (1881-1959)
DeMille lo fue todo en Hollywood: actor, productor, guionista y director. En vida y hoy en día se le consideraba y se le considera el aristócrata por excelencia de Hollywood. Pero este aristócrata tenía humildes orígenes. Su padre era un clérigo episcopaliano y su madre dirigía un colegio para señoritas. Siendo un adolescente escapará del colegio militar donde estudiaba para alistarse. Quería ir a la guerra que tenían entre manos España y Estados Unidos por Cuba. Pero por su juventud fue rechazado. Apesadumbrado volvió a casa pero no tardará en dejar el hogar paterno para marchar junto con su hermano mayor, William.
Había descubierto el teatro, que tanto le ayudará en su posterior carrera. Sin dudarlo se apuntará a la New York Academy of Dramatic Arts. En 1909 debutará en Broadway y hasta 1912 colaborará con su hermano. En el teatro, Cecil Blound DeMille se inició como actor y acabó escribiendo obras junto a su hermano.
Pero DeMille era un hombre ambicioso, apasionado y valiente, y en 1913 forma la Jesse L. Lasky Feature Play Company junto a Jesse Lasky y Samuel Goldfish.
En 1914 rodará el primer largometraje de Hollywood. Se trató de un western de 6 rollos titulado The Squaw Man. El film supuso el debut de DeMille en la dirección, el Costó 45000 $ y recaudó 250000$, todo un éxito. Curiosamente él mismo realizo dos remakes uno en 1918 y otro en 1931. Con este film y posteriores, Cecil B. DeMille se convirtió en una celebridad y en una de las personas más influyentes de Hollywood.
DeMille era un showman que adoraba al público y el público a él. En sus películas aparecía al inicio de éstas tras un telón, a continuación presentaba la cinta y el público estallaba en aplausos. Artista sumamente exigente, su salud se resintió de ello muriendo en 1959 de una afección cardíaca, que posiblemente no hubiera sido tan grave si hubiese tenido otro carácter.
Durante su carrera DeMille tuvo un fiel equipo técnico y artístico. Muchos de los actores y especialmente actrices con los que contaba eran descubrimientos suyos como Gloria Swanson, Geraldine Farrar o Wallace Reid, para la época muda, y Paulette Godard, Gary Cooper o Charlton Heston, en su época sonora.
Su carrera tuvo dos épocas claramente diferenciadas. Desde sus inicios hasta aproximadamente 1927 realizará comedias de sociedad bañadas de sutil erotismo como, Macho y hembra (Male and Female, 1919) o El señorito primavera (The Affairs of Anatol (1921). Pero su formación religiosa, unida a los escándalos que azotaban Hollywood a finales de los 20, le llevó a dar un golpe de timón y realizar filmes épicos y dramas bíblicos, sus películas más conocidas. Unión Pacífico (Union Pacific, 1939), Rey de Reyes (The King of Kings, 1927), Los Diez Mandamientos (The Ten Commandments, las dos versiones, 1923 y 1956), Las Cruzadas (The Crusades, 1935), Sansón y Dalila (Samson and Delilah, 1949), Cleopatra (1934) y un largo etcétera.
A pesar de que se le ha tildado de artesano y su obra sufrió un severo menosprecio no hará tantos años -en parte por su oscuro papel durante la ?caza de brujas?-, la revisión de sus películas mudas y un atento visionado de sus talkies nos llevan a la conclusión de que nos hallamos ante uno de los más grandes e importantes creadores de Hollywood.
Sus filmes siempre recaudaron fastuosas cantidades de dinero y siempre gozaron del favor del público hasta el punto de que la exhibición por televisión en los años 90 de Los Diez Mandamientos llevó a las cadenas que la emitieron a audiencias millonarias. Por otro lado este hombre de carácter enérgico y gustoso de ejercer de pater familias de la Meca del Cine tiene en su haber el haber trabajado durante toda su carrera -salvo seis años, 1925-1931- para un único estudio, Paramount.
Poco antes de su muerte recibió en 1953 el Oscar al Mejor filme del año por El mayor espectáculo del mundo (The Gratest Show on Earth) y a título póstumo publicó The Autobiography of Cecil B. DeMille (1959), todo un documento para una época y para un hombre que como dicen los norteamericanos: was BIG.
CAPÍTULO 3
La primera etapa
Universal empezó su producción en 1913 en pequeños estudios. Pero Carl Laemmle, su fundador, enseguida vio la necesidad de fundar unos buenos estudios lejos de la influencia de Edison y las otras empresas del oligopolio. Fue así como se construyeron los primeros estudios en Hollywood, las obras de los cuales se empezaron en el 1914 y se inauguraron al año siguiente. Universal City fue construida en una enorme finca y fue equipada con las últimas técnicas del momento, con grandes platós y posibilidades creadoras.
La necesidad de rentabilizar rápidamente esta gran inversión hizo que Laemmle organizara la producción estableciendo tres sellos: Red Feather, dedicada a films de bajo presupuesto; Bluebird, dedicada a films de mediano presupuesto y Jewel, que, ocasionalmente, producía proyectos más ambiciosos. Estas prioridades de gestión tuvieron resultados nefastos y Universal dejó enseguida de ser la más potente productora para pasar a un segundo término, posición que iba a mantener hasta los años sesenta ya que dejaron el campo libre a otras empresas como la Paramount en la producción basada en la explotación del star-system.
LAS ESTRELLAS
Harry Carey (1878-1947)
Actor de origen neoyorquino, toda una leyenda del cine mudo y en especial de un género: el western. Interpretó cerca de 250 películas. Carey nació en el seno de una familia acaudalada, su padre era juez y dueño de una fábrica de máquinas de coser. Estudió en la Hamilton Military Academy y rechazó un puesto en West Point para estudiar Derecho en la Universidad de Nueva York.
Debido a un accidente con un bote, Carey tuvo que pasar largo tiempo en el hospital afectado por una neumonía. Allí escribió una obra de teatro. Una vez recuperado recorrió el país con esta obra y su propia compañía. Ganó mucho dinero, pero lo despilfarró en la preparación de su siguiente pieza escénica, que fue un fracaso.
En 1911 conoce al director David W. Griffith con el que hizo diversos films. Durante los rodajes con Griffith conoció a John Ford. Carey lo apadrinó y presionó a Laemmle para que Ford pudiera debutar como director. Ford y Carey fueron amigos íntimos y colaboradores hasta que se separaron en 1921, tras una agria discusión. En las películas con John Ford y posteriores, Carey interpretaba a un antihéroe, un tipo que era un vagabundo, desastrado y que normalmente se metía en líos allí donde iba. Harry Carey fue la gran estrella del western silente con obras como Marked Men (John Ford, 1919). También durante esta época hizo sus pinitos como productor y director.
Durante los años 30 sus apariciones se fueron espaciando, pero en 1939 fue nominado al Oscar como mejor actor secundario por su papel de Presidente del Senado en la obra maestra de Frank Capra Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington). En 1936 volvió a trabajar con John Ford en la estupenda Prisionero del odio (The Prisioner of Shark Island). En 1948 apareció junto a su hijo Harry Carey Jr. en el western Río Rojo (Red River) de Howard Hawks. Murió de cáncer en 1948.
Quedan para la leyenda dos hechos relacionados con Ford. Éste realizó en 1948 un remake de Marked Men, 3 Padrinos (Three Godfathers) y lo dedicó a Harry Carey, estrella brillante en el cielo de los primeros westerns. La escena final de la gran obra maestra de John Ford, Centauros del desierto (The Searchers, 1956) es también un homenaje a Carey. El gesto de Wayne a contraluz cogiéndose el antebrazo derecho con su mano izquierda era típico de Harry Carey en muchos de sus films.
Lon Chaney (1883-1930
Fue uno de los grandes actores y directores de la primera época del cine. Nació en Colorado, en 1883, y su enorme capacidad para transformarse en los más diversos personajes le llevó a la fama hasta el punto de ser conocido como el hombre de las mil caras. Se ganó el afecto del gran público interpretando papeles dramáticos en historias inverosímiles y fantasiosas con una gran facilidad para cambiar su aspecto físico según las exigencias del guión sin caer en la exageración.
Chaney alcanzó la fama con The Miracle Man (1919) donde interpretaba a un lisiado. En la Universal protagonizó films como El jorobado de Nuestra Señora (The Hunchback of Notre Dame 1923), El fantasma de la ópera (The Phantom of the Opera 1925), que consolidaron su carrera. Anteriormente ya había aparecido en otras películas de esta productora, como The Grasp of Greed y The Grip of Jealousy (ambas de 1916). No sólo trabajó para la Universal, sino que también interpretó papeles en films de la Metro-Goldwin-Mayer.
Acabó su carrera a causa de su temprana muerte en 1930 a causa de un cáncer de garganta cuando estaba trabajando en su primera película sonora.
Anna Paulova (1885-1931)
Esta bailarina rusa nacida en 1885 fue lanzada como estrella cinematográfica por la Universal en la película The Dumb Girl of Portici, que data del 1916 pero ya había alcanzado la fama como bailarina llevando a cabo giras a nivel mundial. Se debe entender el interés por esta actriz y bailarina en un contexto de crecimiento del fenómeno del star-system y la necesidad de encontrar estrellas capaces de elevar al éxito films de poco presupuesto o calidad. También se buscaba dar prestigio al cine con personajes famosos por actividades ajenas al mundo del celuloide (otro claro ejemplo es el de Annette Kellerman que interpretaba a la hija de Neptuno en la película de 1914 Neptune?s Daugther, un papel hecho a su medida y para su lucimiento).
En esta película se pone de manifiesto uno de los temas más recurrentes de la historia del cine: el sexo, que se manifiesta gracias al movimiento y gestualidad de los actores y actrices, y el juego que se desarrolla a su alrededor a pesar de los inocentes ?sobre todo bajo la perspectiva actual? guiones e intencionalidad de los mismos. Destaca también la película de 1916 The Inmortal Swan.
LAS PELÍCULAS
Damon and Pythias (1914) es la primera película rodada en Universal City, en Hollywood. En ella participó como actor el futuro director Frank Lloyd. Pero también en estos años destacan Traffic in Souls (1913) y Neptune?s Daughter (1914). La producción se hace más abundante en 1915 y ese año encontramos entre otras My Old Dutch, The Supreme Test, Garden of Lies?
En 1916 se consolida y se producen los primeros westerns, género que caracterizará a Universal en sus primeros tiempos, como The Three Godfathers, una película que se caracteriza por su calidad. También destacan películas como The Grasp of Greed y The Grip of Jealousy, ambas del 1916 donde aparece el actor Lon Chaney, que posteriormente formaría parte del star-system. En otras películas aparecen también otras futuras estrellas del panorama cinematográfico como es el caso de Anna Paulova que protagoniza The Dumb Girl of Portici, también en el año 1916.
20.000 Leagues under the Sea fue una cara producción del 1916 que, a pesar de eso, no obtuvo el éxito que se esperaba. Basada en la novela homónima de Jules Verne, narraba las peripecias del capitán Nemo y su tripulación, pero fue un auténtico fracaso comercial.
T
raffic in Souls (1913)
Ficha técnica. Director: George Loane Tucker. Productor y guionista: Walter McNamara. Intérpretes: Jane Gail (Mary Barnton), Matt Moore (el rescatador), Ethel Grandin (su hermana), William Turner (su padre).
Sinopsis argumental: una chica inocente se ve obligada a trabajar en un burdel y es acusada por eso. Un policía la rescatará de manos de un grupo de puritanos.
Película que causó un gran escándalo al hacer referencia a un tipo de esclavitud que era moralmente reprobado y que afectaba también a mujeres blancas. Resultó un gran éxito de taquilla.
Damon and Pythias (1914)
Ficha técnica. Director: Otis Turner. Adaptación: Allan Dwan. Intérpretes: William Worthington (Damon), Herbert Rawlinson (Pythias), Frank Lloyd (Dionysius), Anna Little (Calanthe), Cleo Madison (Hermion).
Sinopsis argumental: historia de tensiones entre dos amigos que se disputan una mujer. Historia ambientada en la antigüedad, se trata de un antecedente del futuro género del peplum que triunfará en la época dorada de Hollywood.
Film de temática épica del cual se dice fue el primero en rodarse en los estudios de Universal City, antes de la inauguración de los mismos. Fue una importante producción en la que colaboró como actor Frank Lloyd. Se utilizaron grandes medios, cientos de extras y espectaculares decorados que dieron como resultado una buena película, que además fue muy rentable.
Su director, Otis Turner, trabajó en muchos films de esta primera época de Universal hasta la fecha de su muerte en 1918.
Neptune?s Daughter (1914)
Ficha técnica. Director: Herbert Brenon. Guionista: Miss Kellerman. Ayudante de dirección: Otis Turner. Intérpretes: William Welsh (Neptuno), Annette Kellerman (hija de Neptuno), William E. Shay (rey William), Edmund Mortimer (Duque Boris), Lewis Hooper (Conde Rudolph), Francis Smith, Leah Baird, Mrs. Allen Walker (bruja del mar), Millie Eisten (madre de Jailer) y Katherine Lee (Princesa Olga).
Sinopsis argumental: Neptuno, el dios del mar tiene dos hijas. La más pequeña conseguirá la inmortalidad, pero se enamora de un rey humano y se convierte en su reina.
Film rodado en las Bermudas que constó de siete rollos. La protagonista Annette Kellerman era una famosa nadadora australiana de la época y el papel que interpretaba fue pensado para su lucimiento.
The Three Godfathers (1916)
Ficha técnica. Director: Edward J. Le Saint. Argumento: según la novela de Peter B. Kyne. Guión: Edward J. Le Saint y Harrey Gates. Intérpretes: Harry Carey (Bob Sangster), Stella Razeto (Ruby Merrill), George Berrill (Tim Gibbons), Frank Lanning (Bill Kearny), J. F. Briscoe (Johnny Pell) y Hart Hoxie (Sheriff Pete Cushing).
Sinopsis argumental: tres bandidos encuentran a una mujer moribunda que acaba de dar a luz. Ésta les da a su bebé y les hace prometer que lo cuidaran y velarán por él. Los tres protagonistas tendrán que afrontar su vida con el problema que les supondrá esta promesa.
Este argumento será objeto de posteriores y diferentes revisiones, en el 1920 se titulará Marked Men, en 1930 Hell?s Heroes y en el 1936 y en el 1948 Three Godfathers.
20.000 Leagues under the Sea (1916)
Ficha técnica. Director: Stuart Paton. Intérpretes: Jane Gail (hija natural y princesa Daaker), Allen Holubar (capitán Nemo y principe Daaker), Dan Hanlon (professor Aronnax), Edna Pendleton (hija de Aronnax) y William Welsh (Charles Denver).
Sinopsis argumental: adaptación de la novela homónima de Jules Verne.
El rodaje de esta película fue una gran apuesta que hizo el estudio confiando en el éxito seguro de una historia con diversos elementos exóticos y de aventura. Pero la gran inversión no tuvo resultados positivos y fue un fracaso comercial. Tuvo un remake realizado por la Disney en 1954.
The Dumb Girl of Portici (1916)
Ficha técnica. Director: Lois Weber. Adaptación: Lois Weber. Intérpretes: Anna Paulova (Fenella), Rupert Julian (Masaniello), Douglas Gerrard (Alphonso), John Holt (Conde), Betty Schade (Isabella), Edna Maison (Elvira), Hart Hoxie (Penone), Wadsworth Harris (Duque d?Arcos), William Wolbert (Pietro), Laura Oakley (Rilla), Nigel De Brulier (padre Francisco).
Sinopsis argumental: adaptación de la ópera Masaniello. Una pobre chica italiana se enamora de un Duque español causando un gran escándalo y teniendo por ello grandes problemas.
LOS DIRECTORES
Frank Lloyd (1886-1960)
Hijo de una estrella del music-hall británico, debutó en los teatros siendo un adolescente. En 1913 llegó a Estados Unidos durante una gira, y decidió establecerse allí. Al año siguiente empezó a actuar en algunos films como Damon and Pythias (1914). Pero en 1915 debutó como director. Muy pronto se especializó en adaptaciones de grandes novelas como Historia de dos ciudades (A Tale of Two Cities, 1917), Los Miserables (Les Misérables, 1918) y Oliver Twist (1922).
El paso al cine sonoro no representó ningún trauma para Frank Lloyd, más bien lo contrario. El éxito le saludó en forma de Oscar. En 1933 lo conseguirá como Mejor director y Mejor película por Cabalgata (Cavalcade) una adaptación de la obra del brillante Noël Coward. Y repetirá estatuillas en 1935 con Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty), crónica del celebre motín de la Bounty.
Como productor, Lloyd tuvo algunos éxitos como el de Sabotaje (Saboteur, 1942) para Alfred Hitchcock y la Universal. En 1955 dirigió su último film Última orden (The Last Command), una crónica sobre la batalla de El Álamo.
CAPÍTULO 4
La primera etapa
PARAMOUNT (1917-1919)
Gloria Swanson (1899-1983)
Nació en Chicago y se introdujo en el mundo del cine como una de las muchachas del grupo de Mack Sennett. Este empleo le sirvió para darse a conocer y en poco tiempo se convirtió, gracias a Cecil B. DeMille, en una gran estrella.
No fue sólo su belleza la que la le daría el éxito. Su talento interpretativo y su gestualidad sensual y expresiva explican la apuesta que hizo con ella DeMille, y por lo tanto la Paramount, y otros directores posteriormente como Raoul Walsh, Allan Dwan, Sam Word y hasta Billy Wilder.
Su carrera avanzó durante toda la época muda de Hollywood, alcanzando un punto culminante, aunque no el único, con Macho y hembra (Male and Female, 1919) de DeMille. En esta película se jugaba por primera vez con el sexo, Gloria Swanson interpretaba haciendo claras alusiones eróticas cosa que en la época conllevó un gran escándalo y justificó la censura por parte de los guardianes del Código Hays. Éste era un conjunto de normas dictadas por los sectores moralistas y puritanos americanos que eran claramente vulneradas por la actuación de la Swanson, como también lo fueron por parte de otras actrices y otros actores en diferentes películas.
En 1928 quiso protagonizar un film con uno de los mayores directores de la historia, Erich Von Stroheim, pero la aventura tuvo un mal final a causa de las exigencias de éste, que vio como su proyecto dejaba de recibir dinero por parte de la productora y quedaba, por lo tanto, en agua de borrajas. A este fracaso se debe sumar la irrupción del cine sonoro que llevaron a Gloria Swanson a replantearse su carrera y, en definitiva, a una paulatina caída de su éxito; lo cual le llevó a una profunda depresión.
A pesar de esto y de una trayectoria sentimental muy ajetreada, Gloria Swanson consiguió volver a las pantallas como la gran diva que era gracias a su notable longevidad y de la mano de Billy Wilder que, en 1950, la invitó a participar como protagonista -junto al joven William Holden-, en El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard). Una historia filmada en blanco y negro donde encarnaba una vieja gloria del cine caída en desgracia a causa del advenimiento del sonoro. Esta realidad fue vivida por muchas de las estrellas de Hollywood y también por ella misma, que fue una de las pocas que a pesar de la caída supo retornar con una gran dignidad y fuerza a las pantallas.
Filmografía: Entre otros títulos, destacan A los hombres (Don?t Change Your Husband, 1919), Por qué cambiar de esposa? (Why Change Your Wife?, 1920), Más fuerte que su amor (Beyond the Rocks, 1922), Zaza (Zaza, 1923), La reina Kelly (Queen Kelly, 1928), Música en el aire (Music in the Air, 1934)...
Rodolfo Valentino (1895-1926)
Este legendario actor nació el 6 de mayo de 1895 en Italia. Después de la muerte de su padre, y a causa de su talante despreocupado, fue enviado por su familia a Nueva York para limpiar el apellido del deshonor causado por la vida licenciosa y las deudas que Valentino había contraído en el tiempo que pasó en París.
Rodolfo Valentino llegó a América el 23 de diciembre de 1913; lo hizo sin conocer el idioma y sin el dinero que su madre le había proporcionado, ya que lo había perdido jugando al póker durante la travesía.
Tras unos primeros tiempos difíciles, trabajó en muchos y diferentes trabajos, logró hacerse con un puesto de bailarín profesional y, después de un turbio asunto que le hizo abandonar Nueva York, recaló en Los Ángeles, donde la incipiente industria del cine necesitaba galanes seductores como él. A pesar de sus esfuerzos y de la popularidad que enseguida alcanzó entre la sociedad de esta ciudad, le costó conseguir una oportunidad. La primera película en que obtuvo un rol protagonista fue A Society Sensation (1918).
En 1919 participó en el film Eyes of Youth, pero fue con la película titulada Los cuatro jinetes del Apocalipsis (The Four Horsmen of the Apocalipsis) de 1921 -dirigida por Rex Ingram- que consolidó su fama y, por lo tanto, su carrera, entrando de pleno en el star-system hollywoodiense. Estos principios los llevó a cabo con la Metro, pero el mismo 1921 rompió con esta productora y se incorporó a las filas de la Paramount con una película que le hizo verdaderamente famoso El caíd (The Sheik, 1921).
Consiguió convertirse en el galán que la gente sencilla admiraba por su porte y magnetismo al margen de su calidad como actor. Las mujeres lo consideraban en extremo atractivo y los hombres le criticaban con envidia por su imagen cuidada que algunos tacharon de amanerada. A pesar de esto último, fue considerado un perfecto prototipo de virilidad aunque esta percepción fue puesta en duda por las dos mujeres con que se casó a lo largo de su vida. Los escándalos eran frecuentes también en este Hollywood y formaban parte del negocio. La manera de ser del mismo Valentino favoreció el sensacionalismo que puso en duda su virilidad a pesar de representar el mito del hombre ideal.
Murió en 1926, en pleno apogeo de su carrera a causa de una peritonitis. Su fama llegaba hasta tal punto que su féretro fue velado por muchas personas, sobre todo mujeres, que hicieron cola para homenajear a este actor, que con su aire latino se convirtió en un ídolo de la sociedad occidental del momento.
Filmografía: A parte de las obras ya mencionadas destacan en su carrera otras películas como Camille (1921), Más fuerte que su amor (Beyond the Rocks, 1922), Monsieur Beaucaire (1924), El diablo santificado (A Sainted Devil,1924), El hijo del caíd (The Son of the Sheik, 1926)?
LAS PELÍCULAS
Aunque podríamos encontrar algún precedente, es a partir de 1917 cuando se empiezan a filmar en gran número películas basadas en novelas o textos literarios. Muchas de estas películas serán de nuevo interpretadas posteriormente, pero la primera versión de estas conocidas historias data de finales de la segunda década del siglo XX. No son grandes producciones ni tienen grandes estrellas en el reparto, son películas en la que el guión aprovecha historias para facilitar la tarea a los guionistas.
Se recurre a la idea ya escrita, se trata de un cine de poco original y que busca el éxito seguro, sobre todo en estas primeras fases en que se utilizan historias conocidas por el gran público, como pueden ser Tom Sawyer (1917), La cabaña del tío Tom (Uncle?s Tom Cabin, 1918), Ana de las Tejas Verdes (Anne of Green Gables, 1919), etc.
A pesar de esta tendencia, destacan también otro tipo de películas. Cecil B DeMille trabaja muchísimo en esta época y tenemos como resultado diferentes films, entre los que se encuentran The Little American (1917), una historia belicista que protagoniza Mary Pickford y que se debe entender en el contexto de la Primera Guerra Mundial y una película excepcional como Macho y hembra (Male and Female, 1919), que también tendría secuelas en años posteriores pero de la que hizo la primera versión con una espléndida Gloria Swanson, que empieza a ser conocida en estos años que nos ocupan juntamente con el famoso Rodolfo Valentino.
Tom Sawyer (1917)
Director: William Desmond Taylor. Adaptación de la novela de Mark Twain. Fotografía: Julia Crawford Ivers. Intérpretes: Jack Pickford (Thomas ?Tom? Sawyer), Edythe Chapman (Aunt Polly), Helen Gilmore (Widow Douglas), Carl Goetz (Alfred Temple), Robert Gordon (Huckleberry Finn), George Hackathorne (Sid Sawyer), Alice Marvin (Mary Sawyer).
Sinopsis argumental: Tom Sawyer es un chiquillo travieso que vive todo tipo de aventuras al lado del huérfano Huckleberry Finn.
La pequeña heroína - The Little American (1917)
Director: Cecil B. DeMille y Joseph Levering. Guión: Jeanie Macpherson. Intérpretes: Mary Pickford (Angela Moore), Jack Holt (Karl Von Austreim), Raymond Hatton (Count Jules De Destin).
Sinopsis argumental: La pequeña americana -encarnada por la actriz conocida como la ?novia de América?, Mary Pickford- es cortejada por dos hombres norteamericanos pero origen germánico uno y francés el otro, que se la disputan. Es una película de propaganda bélica que Cecil B DeMille y Joseph Levering filmaron en el año en que los Estados Unidos entraron en la Primera Guerra Mundial.
La cabaña del tío Tom - Uncle Tom?s Cabin (1918)
Director: J. Searle Dawley. Adaptación de la novela de Harriet Beecher Stowe. Guión: J. Searle Dawley. Fotografía: Chester A Lyons. Intérpretes: Marguerite Clark (Little Eva), Sam Ardí (Simon Legree), Jack W. Johnston (Haley), Florence Carpenter (Eliza Harris), Frank Losle (Uncle Tom), Phil Ryley (Marks).
Una de las más célebres adaptaciones del famoso clásico de la literatura popular, con extremos sentimientos y sufrimientos en el Sur esclavista.
Ana de las Tejas Verdes - Anne of Green Gables (1919)
Director: William Desmond Taylor. Adaptación de Frances Marion de la novela de Lucy Mand Montgomery. Intérpretes: Mary Miles Mister (Anne Shirley), Paul Kelly (Gilbert Blythe), Marcia Harris (Marilla Cuthbert), Frederick Burton (Matthew Cuthbert), Jack B. Hollis (reverend Figtree).
Sinopsis argumental: una huérfana es acogida por dos hermanos que viven en una granja, conocida como Las Tejas Verdes, con la idea de que les ayude en las tareas del campo.
Macho y hembra - Male and Female (1919)
Director: Cecil B. DeMille. Guión: Jeanie Macpherson. Intérpretes : Lila Lee (Twenny), Theodore Roberts (Honorable Ernest Wolley), Mildred Reardon (Lady Agatha Lasenby), Gloria Swanson (Lady Mary Lasenby), Thomas Meighan (Crichton), Robert Cain (Lord Borcklhurst).
Sinopsis argumental: Comedia de sociedad en la línea de las primeras películas de DeMille en la que interviene una joven Gloria Swanson. Se trata de un cine que está lleno de erotismo implícito, que no escapaba a los espectadores de la época aunque no tenga significados claros para los actuales.
CAPÍTULO 5
PARAMOUNT (1917-1919)
Browning es recordado hoy en día por los amantes del cine fantástico gracias a dos títulos Drácula (1931) y Freaks (1932). Pero la carrera de este director se inició en la era silente.
Desde muy joven Tod Browning, natural de Kentucky, sintió la llamada del mundo del espectáculo. A los 16 años de edad, Browning amante de los carnavales y las fiestas populares, se fugó de casa y se unió a un circo, con el cual viajó por todos los Estados Unidos y en años posteriores -y ya en una compañía de variedades de gran fama- recorrió Europa, Oriente y África. Más tarde esta experiencia vital, y su amor por la gente de la calle, fue recogida en tres de sus mejores filmes: The Show (1927), Garras Humanas (The Unknown, 1927) y Freaks (1932).
En 1913 se encuentra ya en el mundo del cine, donde ejercerá como actor en películas de nickelodeon junto a Charlie Murray que sería una de las estrellas de Mack Sennett. Poco después pasará a trabajar en la Biograph con el mismísimo D.W.Griffith, principalmente como actor. En la Biograph y una de sus filiales la Komic Pictures llegará a realizar más de cincuenta películas de un rollo. En 1916 aparecerá en uno de los episodios de Intolerancia (Intolerance). Poco meses más tarde, sufrirá un accidente y durante su convalecencia en el hospital se iniciará su vocación como guionista y posible director de sus historias.
En 1917 realizará su primer largo: Jim Bludso, la trágica historia de un capitán fluvial que da su vida para salvar la de sus pasajeros. En el film, Browning reflejó con maestría la vida de fiesta, alegría y desenfado que tan bien conocía y que enlazaba con cierta tradición americana, en especial con Mark Twain. El film fue muy bien recibido por la crítica. Al año siguiente, Tod Browning llegará a la Metro, pero sólo realizará cuatro películas; una de ellas, The Jury of Fate, incluía estupendos trucajes y superposiciones sumamente adelantadas para la época. En 1919, después de dejar la Metro, se unirá a Bluebird, una de las filiales de Universal. Aquí encontrará dos influencias decisivas en su carrera: Irving Thalberg y Lon Chaney. Thalberg le dio la oportunidad de rodar con Chaney, con quien congenió rápidamente. La primera de sus películas fue The Wicked Darling. Hasta años después la pareja no se reencontraría.
Gracias al éxito de ésta y otras películas Browning pasó a ser uno de los directores más importantes del estudio, tanto que Thalberg le confió la dirección de un proyecto de 250.000 dólares, The Virgin of Istambul. El director no defraudó y la película fue un éxito, lo que le hizo obtener a modo de recompensa un magnífico bungalow de cinco habitaciones con su propia sala de montaje, que le permitió gran libertad creativa. Sin embargo, a principios de los años veinte, el padre de Tod Browning muere, lo cual le hará caer en una crisis vital y creativa de la que no se recuperará hasta finales de la década y su renacer a principios de los treinta; etapa de la que nos ocuparemos a su debido tiempo.
ERICH VON STROHEIM (1885-1957)
Hablar de Erich von Stroheim supone relatar una vida llena de triunfos y sinsabores del que ha sido uno de los mayores creadores de la historia del Séptimo Arte. Al igual que con muchos de los pioneros, la vida del personaje anterior a su llegada al mundo del cine está envuelta en la leyenda.
Stroheim nació en Viena, en lo que por entonces era el Imperio Austro-Húngaro. Hijo de un sombrerero, emigró a Estados Unidos bastantes años antes de que estallase la Gran Guerra, en 1909. Sin embargo, cuando nuestro personaje llegó a la tierra prometida declaró que era un ex oficial del ejército Imperial y de origen noble, hijo de un Barón y una Condesa. Leyenda que le acompañó durante mucho tiempo. Stroheim, en efecto, sirvió en el ejército Austro-húngaro pero brevemente, aunque esto le sirviera para mantener una profunda admiración durante toda su vida por el mundo militar.
Después de su llegada a los Estados Unidos, Erich von Stroheim realizó los más variados trabajos: dependiente en unos grandes almacenes, vendedor de la Max Grab Fashion Company, o bien en un hostal en la cima del monte Tamalpais, donde conoció a su primera esposa, que fue para él una mentora, ya que le animó a escribir y le enseño los rudimentos del inglés. Uno de sus últimos trabajos fue como guía de montaña en el Lago Tahoe, donde conoció a una mujer que le financió su viaje a Hollywood. Curiosamente en el primer film que dirigió -Blind Husbands (1919)-, la montaña juega un papel muy importante.
En 1914 lo encontramos con Griffith y su productora donde realizaba funciones de asesor técnico, militar, diseñador de vestuario y decorados, asistente de dirección... Con el propio Griffith llegó a colaborar en El nacimiento de una Nación (The Birth of a Nation, 1915) e Intolerancia (Intolerance, 1916), donde supervisaría las escenas de masas. Con la llegada del conflicto mundial, Stroheim interpretó en multitud de producciones el papel de odioso oficial prusiano, asesino de niños y mujeres. Filmes como For France (1917), The Unbeliever (1917), Hearts of the World (D.W. Griffith, 1918, donde realizó funciones de asesor técnico), The Hun Within y The Heart of Humanity (Hallan Hollubar), ambas de 1918. Debido a estos papeles en la publicidad de las revistas de cine a Stroheim se le denominaba El hombre que deseará odiar.
Debido a su ascendencia, Erich von Strhoeim pudo trabajar como actor - autocaricaturizándose- pero su nombre no podía aparecer en los créditos cuando realizaba labores técnicas.
Cansado de interpretar el mismo papel, insistió a los directivos de Universal, Carl Laemmle e Irving Thalberg, en llevar a cabo una traslación a la pantalla de su obra The Pinnacle. Ante la insistencia y el buen hacer de Stroheim, el estudio cedió y en 1919 nació la referida Blind Husbands (Corazón olvidado). Aquí se iniciaría una de las carreras más brillantes y más tristes de la historia del cine. Stroheim era un ser superdotado para el cine en su época; la maestría que él poseía posiblemente sólo la tuviera su maestro Griffith, al que Stroheim admiraba profundamente. Cuenta la anécdota que Billy Wilder (también vienés) le dijo una vez que se había adelantado diez años a su época, a lo que Stroheim con enorme seguridad le respondió que no, él se había adelantado treinta años, y creemos que no le faltaba razón-
Erich von Stroheim resultó ser -insistimos- un adelantado a su época, no sólo por la puesta en escena de sus filmes, la profundidad de sus personajes o su dominio de la técnica cinematográfica, sino también por lo que narraba. Sus historias eran atrevidas, sofisticadas, decadentes, reflejo de una época que se estaba marchitando. Estas historias de profundas connotaciones sexuales y sus legendarios problemas con los productores, ya que necesitaba de enormes presupuestos y larguísimos rodajes, hicieron que poco a poco su persona llegará a ser non-grata para la industria.
Para la Universal, Stroheim rodó diversas obras maestras más: La ganzúa del diablo (The Devil"s Passkey, 1920), Esposas frívolas (Foolish Wives, 1922) y Los amores de un príncipe/El carrusel de la vida (Merry-Go Round, 1923) -aparte de sus también magistrales Avaricia (1924), Marcha triunfal (1927) y La reina Kelly (1928)-; de las que hablaremos en próximos capítulos.
LAS PELÍCULAS
THE HEART OF HUMANITY
Este film es célebre por contener una famosísima escena en la que un oficial prusiano, encarnado por Erich von Stroheim, durante el intento de violación de una mujer francesa, agarra a un bebé que está llorando y harto de sus sollozos, abre una ventana y lo lanza al vacío.
La escena ayudó a la fama de Stroheim -al que la publicidad lanzaba como como the man you love to hate-, pero sin embargo le encasilló, todavía más, en sus papeles de sádico oficial prusiano, violador y asesino de mujeres inocentes. El film se enmarca en una tendencia denominada Hate the Hun. Durante la Primera Guerra Mundial, los estudios de Hollywood se lanzaron a realizar una serie de películas ferozmente antialemanas y espoleando el odio hacia Alemania. Estas películas se realizaron incluso antes de la intervención de Estados Unidos en el conflicto, en 1917, y prosiguieron hasta aproximadamente 1920. Resultaron un instrumento ideal para aquellos que querían entrar en el conflicto y después se revelaron como un arma sumamente útil para empujar el esfuerzo bélico del frente civil.
Hoy en día estas cintas, entre ellas The Heart of Humanity, resultan ofensivas y a la vez hilarantes. Casi todas ellas estaban cortadas por un mismo patrón: mujer bella asediada por un alemán criminal, el cual al final del film recibirá su castigo. Sin embargo, había alguna variante. La más famosa de ellas era la serie de películas que ridiculizaban sin compasión al Káiser, sirva de ejemplo algún título: To Hell with the Kaiser o The Kaiser Beast of Berlin.
Esta película fue una de las más famosas de la Universal, en especial por la asombrosa interpretación del genial Stroheim.
Ficha Técnico-Artística
The Heart of Humanity (Universal Film Manufacturing Company, 1918)
Director: Hallan Holubar.
Guionista: Hallan Holubar y Olga Scholl.
Asesor Técnico: Erich Von Stroheim.
Fotografía: Fred Leroy Granville, Harold Janes, King Gray.
Montaje: Frank Lawrence y Viola Mallory.
Intérpretes: Dorothy Philips, William Stowell, Robert Anderson, Erich von Stroheim, Lloyd Hughes, Frank Braidwood.
B/N - 9 rollos
THE WICKED DARLING
Sinopsis argumental
Kent Mortimer es un hombre arruinado. Desesperado, decide vender muchas de sus pertenencias para pagar a sus deudores, su prometida, Adele Hoyt acepta pero no le entrega un magnífico collar de perlas. Sin embargo éste se perderá y será encontrado por Mary Stevens, una mujer de los bajos fondos. Mary aún sabiendo a quien pertenece el collar, no lo devolverá. Pasa el tiempo y Mary Stevens trabaja como camamera en un restaurante que frecuenta Mortimer. Ambos iniciarán una relación de amistad, pero ésta se verá ensombrecida por un antiguo compinche de Mary, Stoop Connors, conocedor de la existencia del collar y celoso por ver a Mary con otro hombre. Connors atacará a Mortimer y éste resultará herido. Arrepentida, Mary explica a Mortimer su verdadera historia. Mortimer disgustado rompe su amistad con la mujer, quien arrepentida devolverá el collar a la pareja. No obstante, Connors, desconocedor del hecho, visitará a Mary para obtener el collar; ella no dice nada. Preso de la furia la intentará estrangular pero Mary será rescatada por Mortimer, que reducirá al villano.
Film producido por la Universal en 1919, fue uno de los éxitos de la temporada. Se trataba de una producción muy modesta que gracias al favor del público y de la crítica significó el inicio de la sólida relación entre Tod Browning y la Universal, además de iniciar la colaboración del director con el magnífico Lon Chaney.
Hoy en día el film es poco recordado, debido a que hasta el año 1996 se pensaba que no había ninguna copia existente. Después de descubrir la existencia de una copia en Holanda, se comprobó lo que decían las críticas de los años veinte. La película es intensamente realista y presagia futuros filmes del autor. Pero, por encima de todo, es el talento de Lon Chaney encarnando al desagradable y malvado Stoop el que hace realmente destacable a la película.
Ficha Técnico-Artística
The Wicked Darling (Universal Film Manufacturing Company, 1919)
Director: Tod Browning.
Guionista: Harvey Gates, basándose en la obra The Moth de Evelyn Campbell
Fotografía: Alfred Gosden.
Intérpretes: Priscilla Dean (Mary Stevens), Wellington Playter (Kent Mortimer), Lon Chaney (Stoop Connors), Gertrude Astor (Adele Hoyt), Spottiswoode Aitken (Fadem).
B/N.
BLIND HUSBANDS / CORAZÓN OLVIDADO
Sinopsis argumental
La historia se desarrolla en los Alpes. Un oficial austríaco, el teniente Von Steuben intenta manter una relación con una mujer casada con un médico americano, el Dr. Armstrong. La señora Armstrong no será una de las muchas conquistas del oficial, pues ama a su marido. Sin embargo, durante una escalada en la que interviene el doctor, Von Steuben y otro hombre, estallará el drama. Durante la estancia en la cima de la montaña, una carta escapa de las manos de Von Steuben. En esta carta la Sra. Armstrong se negaba a intimar con el oficial y declaraba su amor por su marido. El Dr. Armstrong, pensando que es una carta de amor entre Von Steuben y su mujer, enloquece, y durante el difícil descenso no ayudará al austríaco, precipitándose éste al vacío.
Blind Husbands fue la primera película que dirigió Erich von Stroheim. Después de su experiencia como actor y asesor técnico con diversos directores, entre ellos Griffith, Universal apostó por Stroheim como director, que insistía una y otra vez a los directivos del estudio, en especial a Thalberg y Laemmle Sr., en llevar a la pantalla su libro The Pinnacle. Su debut no pudo ser más acertado y la película significó un hito.
La cinta mostrará las constantes de la obra posterior de Stroheim: puesta en escena soberbia, barroca, extremado talento para el detalle en lo concerniente a la dirección artística, excelente tratamiento fotográfico y una historia decadente que mostraba a la manera de un entomólogo todas las virtudes y los defectos -o más bien los defectos- del ser humano. La historia del matrimonio y del oficial austríaco fue y es atrevida. Durante su estreno causó el escándalo, pero ello fue beneficioso. El film resultó ser un ganador en la taquilla y reportó enormes dividendos a la Universal, que perdonó los retrasos en el rodaje y un presupuesto cada vez mayor, que también fueron características de la obra posterior de este gran creador.
La película fue muy bien tratada por la crítica -Marcará una época, dijo ?Variety?- y por el público, lo que animó a los estudios a apostar por el sofisticado cineasta austríaco. Muchas veces se han visto triángulos amorosos en la pantalla, todos, en cierta manera, son deudores de Von Stroheim y su magnífica Corazón olvidado.
Ficha Técnico-Artística
Blind Husbands (Universal Film Manufacturing Company, 1919)
Director: Erich von Stroheim.
Guionista: Erich von Stroheim de su obra The Pinnacle.
Fotografía: Ben F. Reynolds.
Dirección Artística: Erich von Stroheim.
Intérpretes: Sam de Grasse (Dr.Armstrong), Francelia Billington (Sra. Armstrong), Erich von Stroheim (Teniente von Steuben), T.H. Gibson-Gowland (Sepp), Fay Holderness (la "vampiresa").
B/N.
THE OUTCASTS OF POKER FLAT
Sinopsis argumental
John Oakhurst, un buen hombre, jugador de cartas; se siente sólo por lo que decide adoptar a un niño. Tommy, el niño adoptado -que será el hijo deseado por John- crecerá y fatalmente se enamorará de una mujer, Ruth, de la cual también está enamorado su padre. En un acto de honradez y estima hacia el chico, John renuncia a la mujer a favor de su hijo.
Éste fue uno de los muchos westerns que dirigió John Ford en sus inicios. Al igual que muchas de sus obras iniciales -como Marked Men-, la película contó con el inefable Harry Carey como protagonista. Su papel como el afable jugador John Oakhurst es muy remarcable.
El film fue alabado por el público y la crítica, que destacó especialmente su fotografía y los fantásticos parajes naturales en los que estaba rodado. La película se basó en unos relatos de Bret Harte: The Luck of Roaring Camp, y el que lleva por título. Ambos relatos son pequeños clásicos de la literatura americana, lo que explica posteriores versiones de ellos -y de la película de Ford- en 1937 y 1952 dirigidos por Christy Cabanne y Joseph M.Newman.
Ficha Técnico-Artística
The Outcasts of Poker Flat (Universal -Special, 1919).
Director: John Ford.
Guionista: H.Tipton Steck adaptando las historias de Bret Harte, The Luck of Roaring Camp y The Outcasts of Poker Flat.
Fotografía: John W.Brown.
Intérpretes: Harry Carey (John Oakhurst), Cullen Landis (Tommy Oakhurst), Gloria Hope (Ruth Watson).
B/N - 6 rollos
PARAMOUNT (1920)
CAPÍTULO 6
LOS DIRECTORES
Maurice Tourneur (1873-1961)
Nació en París el 2 de febrero de 1873, y en esta ciudad fue donde empezó su trayectoria vinculada al mundo de las artes visuales. Sus inicios en el Grand Guignol Theatre, su experiencia como ilustrador en revistas de la época y su colaboración actoral y también en el diseño en el Theatre de la Renaisance de París, conformaron una poética y un estilo propios que caracterizaron todas sus películas. En esta primera época profesional de su vida, Tourneur también colaboró con el famoso escultor Rodin y el pintor Puvis de Chavannes.
Maurice Tourneur empezó su carrera como asistente de director en el 1912, pero en 1914 emigró a los Estados Unidos donde permaneció hasta el 1926, año en el que volvió a Francia ya consolidado como director. De esta época destacan películas como The Blue Bird (1918), Prunella (1918) o Treasure Island (1920). La última película que filmó en América fue The Mysterious Island (1926) y el descontento con el sistema de producción hollywoodiense le llevaron a volver a Europa y continuar allí su obra.
En su etapa europea encontramos filmes como Das Schiff der verlorene Menschen (1927) -en el que Marlene Dietrich intervenía en uno de los papeles principales-, y otros. Maurice Tourneur no sólo destacó como director, sino que produjo muchas de sus películas y escribió también diversos guiones para otras durante los años 1910 y 1930, entre los que encontramos The Closed Road (1916), L"Équipage (1928) y Les deux Orphelines (1933), entre muchas otras.
Un brutal accidente de coche lo apartó de la profesión en 1949 y murió en París el 4 de agosto de 1961. A pesar de esta retirada forzosa, al final de su vida dejó un legado importante sobre todo a nivel de lenguanje cinematográfico que muchos de los cineastas europeos posteriores, entre ellos su hijo Jacques Tourneur, supieron recoger en sus obras.
LAS ESTRELLAS
John Barrymore (1882-1942)
Nació el 14 de febrero de 1882 en Filadelfia en el seno de una famosa familia de artistas americana. Fue el mayor de tres hermanos, una generación que eclipsó por completo toda la popularidad que pudiera haber adquirido la anterior. John, Lionel y Ethel Barrymore llegaron a ser legendarias estrellas del primer star-system auque fue John el que alcanzó mayor fama.
Debutó a los 18 años en una de las producciones teatrales de su padre, Maurice Blyth, y siguió una trayectoria ascendente en el mundo del teatro hasta llegar a participar en una representación de Broadway titulada The Fortune Hunter en el 1909. Habría que esperarar aún hasta el 1914 para verlo en la gran pantalla; ese año, el bien parecido John Barrymore, se estrenaba como actor de cine en la película An American Citizen. A pesar de eso no abandonó el teatro en un primer momento y en el 1922 obtuvo un gran éxito con una versión de Hamlet.
Su faceta de galán de cine se consolidó y llegó a ser conocido como The Great Profile, algo así como el fantástico perfil por su físico. A diferencia de muchos otros actores, logró adaptar-se al sonoro cuando la tecnología se asentó en la indústria y se alzó como héroe romántico. Atlético y robusto, protagonizó muchos papeles de aventurero y seductor pero su aspecto y su salud se fueron degradando a causa de su alcoholismo cosa que lo relegó a un segundo término en el cielo de las estrellas. Esta enfermedad, que compartía con su compañero de profesión Errol Flynn, con el que mantuvo una relación de amistad además de compartir el tipo de personajes a interpretar, le causó la muerte el 29 de mayo de 1942 en Los Ángeles. A nivel sentimental tuvo también una vida agitada ya que, como se estilaba en el ambiente de Hollywood de la época, se casó varias veces. Concretamente, tuvo tres esposas, Katherine Corri Harris, Elaine Barrie y Dolores Costello.
En su último film, Playmates (1941), interpretaba a una caricatura de sí mismo. Se trata de un actor que protagonizó uno de los ascensos más brillantes en Hollywood y también una de sus historias más decadentes. Su final fue triste, lejos del brillo que había caracterizado su carrera.
Lilian y Dorothy Gish
Hijas de família humilde involucrada en el mundo de la farándula como medio de subsistenica, cuando fueron sufucientemente mayores entraron a trabajar como actrices en la Biograph gracias a Mary Pickford. A pesar de la mala consideración que se merecía su profesión en esos tiempos, las hermanas Gish concibieron la interpretación cinematográfica como una forma de arte. Se distanciaron de los actores teatrales y dieron vida propia y nueva a sus personajes en el nuevo medio artístico.
Griffith, por aquel entonces director superior de la Biograph, quedó maravillado por la sencillez y el encanto inocente de estas dos hermanas, que pasaron a formar parte de su producción más importante como protagonistas. La belleza de las Gish fue un elemento definitorio de la filmografía de este maestro, ya que actuó como elemento narrativo fundamental en sus películas. Lillian y Griffith, en su ideal artístico cinematográfico, crearon el prototipo de heroína que iba a triunfar en el cine de los primeros tiempos. Una heroína encarnada en una muchacha débil e indefnsa que debe enfrentarse a un mundo cruel.
Idearon la interpretación como arte y así se manifiesta en El nacimiento de una nación (The Birth of a Nation, 1915), que no sólo es una buena película sino que es una obra de referencia en todos los sentidos, ya que en ella se da comienzo a muchos de los lenguajes desarrollados posteriormente. De Griffith, también són importantes la inconmensurable Intolerancia (Intolerance 1916) y Liries Rates (1921). La tensión dramatica de la interpretación de Gish y de estas historias es evidente y avasalladora, y sobrepasa el oficio teatral que se observa en la mayoría de las películas de la época. Lillian y Griffith son creadores de la forma.
Es importante poner de relieve el enorme trabajo de Lillian Gish en el cineya que, así como sus inicios y formación estan asociados a la figura de Griffith, también trabajó bajo las órdenes de otros directores y lo hizo a lo largo de toda su vida. Destaca una tremenda intervención en la película The Wind (1928) de Victor Sjöström y su aparición junto a Bette Davis en Las ballenas de Agosto (1987), el último film en que participó.
Así como Lillian Gish se mantuvo activa hasta el final de su longeva vida (murió el 27 de febrero 1993 en Nueva York), Dorothy Gish, la pequeña, se retiró en 1928 y murió el 4 de junio de 1968 en Italia. Las dos fueron conocidas como actrices serias y contribuyeron al establecimiento del cine como séptimo arte.
LAS PELÍCULAS
El hombre y la bestia - Dr. Jekyll & Mr. Hyde
Ficha técnica
Director: John S. Robertson. Guión: Clara Beranger. Basada en la novela homónima de Robert Louis Stevenson. Intérpretes: John Barrymore (Dr. Jekyll/Mr. Hyde), Martha Hansfield (Millicent Carew), Brandon Hurst (Sir George Carew), Charles Lane (Dr. Richard Lanyon), George Stevens (Poole, Jekill"s Butler), Nita Naldi (Miss Gina). 67 min. B/N.
Sinopsis argumental: Basada en la novela homónima de Robert Louis Stevenson, se trata de una de las primeras versiones de esta historia que se ha llevado numerosas veces al cine con diferentes perspectivas. El Dr. Henry Jekyll descubre una fórmula que al ingerirla le convierte en Mr. Hyde, un ser capaz de cometer las fechorías más atroces en las brumosas calles de Londres. La poción resulta ser adictiva y la personalidad de Hyde se introduce cada vez con más fuerza en la persona de Jekyll. La serie de crímenes que deja tras de sí Mr. Hyde llevará a la polícia a una intensa investigación mientras la población vive en creciente temor.
Película que aborda el aún novedoso género del cine negro y policíaco en aquel momento y que además cuenta con la colaboración de John Barrymore, uno de los actores más cotizados del Hollywood del momento, que reafirmó el éxito del film.
La isla del tesoro - Treasure Island
Director: Maurice Tourneur. Guión: Jules Furthman. Productor: Maurice Tourneur. Basada en la novela homónima de Robert Louis Stevenson. Intérpretes: Lon Chaney (Pew/Merry), Sydney Deane (Squire Trelawey), Al W. Filson (Bill Bones), Harry Holden (Captain Smollett), Charles Hill Mailes (Dr. Livesey), Shirley Manson (Jim Hawkins), Josie Melville (Mrs. Hawkins), Bull Montana (Morgan), Charles Ogle (Long John Silver). 57 min. B/N.
Sinopsis argumental: Dos bandas de filibusteros se disputan el hallazgo de un tesoro enterrado en una isla perdida en el Pacífico. Piratas y escenarios selváticos para una conocida historia de traiciones y aventuras.
La Paramount se consolidaba en la adaptación de novelas con esta fantástica Treasure Island. No era tampoco la primera vez que se llevaba esta historia a la pantalla. Maurice Tourneur imprimió en ella su estilo característico: unos espectaculares exteriores y una fabulosa composición estética.
Destaca el trabajo actoral del modelable Lon Chaney, que en esta película interpreta a dos personajes, y Charles Ogle. También llama la atención el rol desempeñado por Shirley Mason -que en esos momentos contaba con 19 años de edad- ya que protagoniza el film haciendo de chico (Jim Hawkins).
El trabajo del director y productor de la película, Maurice Tourneur, es muy bueno aunque se trata de una de las versiones menos fieles del clásico de Stevenson.
CAPÍTULO 7
UNIVERSAL (1920)
LOS DIRECTORES
Rex Ingram
Rex Ingram como muchos cineastas del Periodo Silente fue una estrella fugaz. A diferencia de otros actores, productores y directores de la época, Ingram, de origen irlandés, tenía una buena formación académica, puesto que estudió escultura en la Yale School of Fine Art. Sin embargo, sus escarceos artísticos tomarán una dirección muy distinta cuando llegue a Hollywood en 1913.
Rex Ingram trabajó como actor, pintor de decorados, director artístico y guionista. Trabajó para los estudios de Edison, Vitagraph y Fox, pero fue Universal quién, fijándose en el talento y la precocidad del muchacho, le ofreció dirigir su primera película en 1916 cuando sólo contaba 23 años. La cinta, The Great Problem, se basaba en una historia original suya y tuvo una favorable acogida. Para la Universal realizó once filmes más, entre ellos: The Chalice of Sorrow (1916), Black Orchids (1917), Reward of the Faithless y Under Crimson Skies (1920), que tuvo una excelente recaudación y fue uno de los éxitos del estudio durante la temporada. En estos filmes se empezaba a apreciar su enorme poderío visual, su imaginativa puesta en escena y su talento para llevar a buen puerto proyectos costosos que en ocasiones se escapaban de las manos de los más avezados directores.
No obstante, la fama le llegó cuando dejó Universal y se unió a la Metro donde realizó su película más recordada, la obra maestra Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1921), adaptación de la novela de Vicente Blasco-Ibáñez. La cinta, de gran belleza visual, dotada de una poderosa atmósfera y de una enorme intensidad emotiva, lanzó a la fama a sus dos protagonistas, Rudolph Valentino y Alice Terry, que a la postre sería su mujer y estrella en sus películas posteriores.
El enorme éxito de la película le llevó a ser socio mayoritario de la Metro y a realizar otras películas de gran éxito y gran presupuesto como: The Conquering Power (1921), El prisionero de Zenda (The prisioner of Zenda, 1922), Triffling Women (1922) y Scaramouche (1923), en ellas contó con la presencia de su nuevo descubrimiento, Ramón Novarro, que seria uno de los rostros más carismáticos del cine mudo.
Sin embargo, Ingram empezaba a estar cansado de Hollywood y su sistema de trabajo, al igual que le ocurría a Erich Von Stroheim ?gran amigo suyo? los productores le perseguían porque gastaba enormes sumas de dólares durante la realización de sus filmes. Así pues, en 1924 se marcha de Estados Unidos y se establece en Niza (Francia) donde fundará sus propios estudios, los Victorine Studios. Allí trabajó con Blasco-Ibáñez y Rodolfo Valentino en la realización de Mare Nostrum (1926), basada en una obra del novelista español. Después rodaría cuatro películas más, entre ellas Baround (1932), su primer y único filme sonoro, rodado en Marruecos ?país que gustaba de frecuentar? y protagonizado por él mismo. Ésta y sus anteriores cintas fueron un fracaso. Hastiado, Ingram regresará a Los Ángeles donde se dedicará a la escultura y a la literatura. Alejado del mundo que le vio triunfar, murió en 1950.
LAS ESTRELLAS
Wallace Beery (1885-1949)
El grandullón Beery fue uno de los actores más populares del cine mudo. Como muchos de los pioneros tuvo una vida agitada antes de aterrizar en el mundo del cine. En 1902 y con 16 años se unió al circo de los Ringling Brothers como ayudante del domador de elefantes. Dos años después dejaba este trabajo al ser herido por un leopardo. En Nueva York, Wallace Beery se hizo un nombre como protagonista de numerosos musicales de Broadway y en el teatro de variedades. Ya en 1913 lo encontramos en Hollywood. Su primer éxito lo constituyó un serial cómico de la Essanay, donde interpretaba a un fortachón tontorrón, ?Sweedie?. En 1915 y durante el rodaje de una de estas películas conoció a Gloria Swanson con quién contrajo matrimonio. Éste duró apenas dos años, la Swanson no pudo aguantar a un Beery amante del alcohol y de constantes cambios de humor.
Wallace Beery fue un habitual de las grandes películas de aventuras. Ya con Universal rodó The Virgin of Istamboul (1919), que tuvo una gran aceptación. Y en los años 20, y después de dejar el estudio, aparecería en Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1921), donde encarnaba a un sádico oficial alemán, El último mohicano (The Last of the Mohicans, 1920) donde interpretaba al villano Magua, Robin Hood (1922), con Beery como Ricardo Corazón de León, El halcón del mar (The Sea Hawks, 1924), El mundo perdido (The Lost World, 1925) como el irrepetible profesor Challenger, o The Pony Express (1925).
La llegada del sonoro le afectó, a pesar de tener una buena voz, hablaba pausadamente y tenía un acento vulgar. Sin embargo, Irving Thalberg vio algo en él y lo contrato para MGM. El éxito le llegó en 1931 cuando ganó un Oscar al mejor actor por El campeón (The Champ), tremebundo drama pugilístico con niño ?el célebre Jackie Cooper? que fue un enorme éxito. Al año siguiente apareció en Gran Hotel (Grand Hotel) una de las producciones de la Metro con más estrellas por metro cuadrado. En 1934 interpretó al mejor Long John Silver de la historia del cine en La isla del tesoro (The Treasure Island) y el mismo año fue Pancho Villa en Viva Villa! El año anterior había interpretado de forma brillante a un atribulado hombre de negocios en la exquisita Cena a las ocho (Dinner at Eight) de George Cukor. A mediados de los treinta después de la muerte de Marie Dressler, pareja suya en muchas películas, y la aparición de nuevas estrellas, hizo que Wallace Beery, el gigantón de Hollywood, fuera desapareciendo de las grandes producciones. Durante los años cuarenta se dedicó a pasear por tristes filmes de serie B.
En 1949, víctima de un ataque al corazón, Beery ?una de las estrellas de los años 20 y 30, precursor de los actores de carácter del cine clásico americano y actor en cerca de 220
peliculas, murió.
LAS PELÍCULAS
The Virgen of Estamboul
Sinopsis argumental
Achmet Bey, un caudillo Turco, sorprende a una de sus mujeres en adulterio y mata a su amante. Repudiando a la mujer adúltera, Bey raptará a una muchacha inocente y la llevará a su harén. Sin embargo, un americano que estaba secretamente enamorado de ella la salvará.
Film producido por la Universal en 1920, fue uno de los éxitos de la temporada. Irving Thalberg, el descubridor de Tod Browning, le confió esta costosa producción para que fuera uno de los buques insignia de aquel año. Los 250.000 dólares que se invirtieron no cayeron en saco roto. La película fue un éxito y el empujón definitivo a la carrera de Browning. Thalberg le premió con un magnífico bungalow de cinco habitaciones donde el director podía planear con comodidad sus próximas producciones, ya que estaba dotado de diversos equipos como por ejemplo su propia sala de montaje.
Ficha Técnico-Artística
The Virgin of Istamboul (Universal Film Manufacturing Company, 1920)
Director: Tod Browning
Guionista: Tod Browning, William Parker y H. H. Van Loan
Fotografía: William Fildew
Montaje: Viola Mallory
Directores de segunda unidad: Leo McCarey, Frank Messenger y Fred Tyler
Presentador: Carl Laemmle
Intérpretes: Priscilla Dean (Sari), Eugenie Forde (madre de Sari), Wheeler Oakman (Capitán Carlisle Pemberton), Wallace Beery (Ahmed Hamid), E. Allyn Warren (Yusef Bey). B/N.
Under Crimson Skies
Sinopsis argumental
El capitán de una velero tiene una turbulenta aventura amorosa con la mujer de uno de sus pasajeros. Su situación empeorará cuando estalle un motín a bordo.
Under Crimson Skies fue la película más exitosa de cuantas Rex Ingram rodó para la Universal. El filme contaba con unas majestuosas secuencias marinas y trepidantes secuencias de acción, como era norma en las películas de Ingram. Como curiosidad destacar la actuación de uno de los primeros actores que interpretó a Tarzán, Elmo Lincoln, el protagonista de la cinta.
Ficha Técnico-Artística
Under Crimson Skies (Universal Film Manufacturing Company, 1920)
Director: Rex Ingram
Guionista: J. G .Hawks y Harvey F. Thew
Fotografía: Phil Rosen
Intérpretes: Elmo Lincoln (Capitán Yank Barston), Mabel Ballin (Helen Clayton), Frank Brownlee (Dead Siht Burke), Nancy Caswell (Peg Clayton), Beatrice Dominguez (chica de la isla). B/N.
The Devil?s Passkey
Éste fue el segundo filme que Erich von Stroheim realizaba para la Universal. El austríaco ahondó en el tema del triángulo amoroso y el amor torturado, que había tratado en su anterior película, Blind Husbands (1919). El trabajo estaba marcado por la ironía y el tono sutil tan del gusto de Von Stroheim. Rodada de septiembre de 1919 a diciembre del mismo año, la cinta se estrenó en Agosto de 1920 con muy buena acogida de público y en especial de crítica Su éxito hizo que Laemmle decidiera poner en las manos de Von Stroheim la producción más ambiciosa de Universal desde su fundación: Esposas frívolas (Foolish Wives), que realizaría en 1922, pero eso es otra historia de la que hablaremos en un próximo capítulo. Por desgracia, poco más se sabe de The Devil?s Passkey, hoy en día no existe ninguna copia de ella.
Ficha Técnico-Artística
The Devil?s Passkey (Universal Film Manufacturing Company, 1920)
Director: Erich von Stroheim
Guionista: Erich von Stroheim, adaptando la obra Clothes and Treachery, de la Baronesa de Meyer
Fotografía: Ben F. Reynolds, Howard Oswald y William Daniels.
Montaje: Jean Spencer
Dirección Artística: Erich von Stroheim
Directores asistentes: Edward Sowders, Jack Proctor y Jean Spencer.
Intertítulos: J.H.Buffum
Presentada por Carl Laemmle
Intérpretes: Sam de Grasse, Una Trevelyan, Eclyde Fillmore, Maude George, Leo White, Mae Busch, Jack Matheis, Ruth King, Al Edmonsen, Ed Reinach.
B/N 7 rollos
Si hubo un director que trabajo en la Universal en 1920, ése fue John Ford que realizó tres películas de envergadura y que tuvieron una buena acogida. A continuación hablaremos de
ellas.
The Prince of Avenue A
Sinopsis argumental
La película narra la lucha por el poder de una ciudad y la rivalidad entre dos familias, los O?Conner y los Jones y sus respectivos candidatos políticos. En medio de las disputas, encontramos la historia de amor entre el hijo de O?Conner y la hija del candidato de éste. El amor triunfará y ambos acabarán No fue ésta una de las películas de más éxito de John Ford. Sin embargo, su importancia se debe a que se trató de su primer filme que no era del Oeste.
Ficha Técnico-Artística
The Prince of Avenue A (Universal -Special, 1920)
Director: John Ford
Guionista: Charles J. Wilson
Fotografía: John W. Brown
Intérpretes: James J. ?Gentleman Jim? Corbett (Barry O?Conner), Mary Warren (Mary Tompkins), Harry Northrup (Edgar Jones), Cora Drew (Mary O?Conner), Richard Cummings (Patrick O?Conner), Frederik Vroom (William Tompkins), Mark Fenton (padre O?Toole). B/N 5 rollos
The Girl in nº 29
Sinopsis argumental
Devon es un escritor de éxito pero tiene una crisis creativa. Un día ve por la ventana de su casa como una chica está a punto de quitarse la vida con un revolver. Sin pensarlo, el protagonista se dirige a la vivienda de la muchacha y la salva. De repente, entra en escena un hombre que rapta a la muchacha y se la lleva a una mansión de Long Island. Devon los persigue, logra matar a uno de los secuestradores y salva de nuevo a la chica. Poco después el escritor relata el suceso a sus amigos, cuando aparece entre ellos el hombre al que ha matado: todo era un montaje de su hermana y sus amigos. Ahora, por fin, Devon ya tiene un tema y puede escribir. Al final del filme vemos cómo cuando la obra se publica, tiene un enorme éxito.
Esta película precedió a Ligaduras de oro (Hitchin? Post) que fue su gran éxito durante 1920. El humor y la acción, hicieron que el filme obtuviera una buena acogida, aunque no figura entre las grandes obras del director.
Ficha Técnico-Artística
Girl in nº 29 (Universal-Special, 1920)
Director: John Ford
Guionista: Philip J.Hurn de la obra de Elizabeth Jordan The Girl in the Mirror.
Fotografía: John W.Brown
Intérpretes: Frank Mayo (Laurie Devon), Harry Hilliard (Rodney Bangs), Claire Anderson (Doris Williams), Elinor Fair (Barbara Devon), Bull Montana (Abdullah el Estrangulador), Ray Ripley (Ransome Shaw), Robert Bolder (jacob Epstein).
B/N 5 rollos.
Ligaduras de oro
Sinopsis argumental
La Guerra de Secesión lleva a Todd, un caballero del Sur, a convertirse en jugador de póker de uno de los muchos barcos fluviales que surcan los ríos de Estados Unidos. En una de las partidas gana a otro jugador, el Coronel Bereton, sus últimas posesiones, cuatro magníficos caballos de carreras. Ante el desastre el Coronel se suicida y su hija queda abandonada. Todd enterado de la situación se siente culpable y acude a ver a la hija de Berenton. Con el tiempo se hará cargo de ella e incluso la salvará de un villano. Finalmente ambos vivirán felices.
Ligaduras de oro fue el gran éxito de Ford en la Universal durante 1920 ?reseñar que hizo otra película de mayor éxito, Just Pals, pero la rodó para la Fox?. John Ford volvía al western y el público se lo agradeció. La película aportaba todo lo que éste pedía: acción, sentimientos y un bonito final feliz. Peter Bogdanovich, en su obra sobre John Ford, dice que esta película es sospechosamente parecida a Cameo Kirby de Booth Tarkington y Leo Wilson, del año 1914. Lo que es seguro es que era una historia que gustaba a Ford, puesto que en 1923 realizó una segunda versión.
Ficha Técnico-Artística
Ligaduras de oro (Hitchin? Post) (Universal -Special, 1920)
Director: John Ford
Guionista: George C. Hull de la obra de Harold M.Schumate
Fotografía: Benjamin Cline
Intérpretes: Frank Mayo (Jefferson Todd), Beatrice Burnham (Ophelia Berenton), Joe Harris (Raoul Castiga), J.Farrel McDonald (Joe Alabam), Mark Genton (Coronel Berenton), C. E. Andersen (Capitán del barco).
B/N - 5 rollos.
CAPÍTULO 8
JOHN FORD (1895-1973)
Debido a la importancia del personaje, y aunque la totalidad de su carrera no transcurrió en la Universal, hemos decidido dedicarle un capítulo en exclusiva a este director. John Ford representa el cine norteamericano por antonomasia. Posiblemente sea el mejor director de esta cinematografía, y eso en un país que ha dado nombres cómo Orson Welles, Howard Hawks, David W. Griffith y acogió e hizo ?americanos? a Fritz Lang o Ernst Lubitsch; habla mucho y bien de la importancia de nuestro personaje. En vida Ford disfrutó de una enorme popularidad ?algo parecido al fenómeno Spielberg en nuestros días?, aunque sus últimos años no reflejen muy bien este hecho. Por poner un ejemplo, ¿Qué otro director ha logrado seis Oscars durante su carrera? Ninguno; sólo John Ford.
Sean Aloysisus O?Feeney, el nombre original de John Ford, nació en Cape Elizabeth, Maine, en la Costa Este de Estados Unidos. Sus padres eran de origen irlandés y él fue el más pequeño de 13 hermanos. Ford siempre estuvo muy orgulloso de sus orígenes irlandeses ?de niño incluso hablaba gaélico?; prueba de ello son las diversas cintas que dedicó a Irlanda y sus gentes, reflejando de manera magistral sus tradiciones y carácter. Una vez acabó la enseñanza media en su Maine natal, decidió acompañar a su hermano mayor Francis a California para trabajar en el mundo del cine.
Al parecer en 1913-1914, Ford ya se encontraba en la Universal con su hermano. Allí realizó todo tipo de trabajos: eléctrico, especialista, actor y attrezista. Con toda seguridad encontramos su nombre en un serial que dirigía su hermano. En él realizaba algún insignificante papel como actor y también realizó labores de attrezo. No fue hasta 1917 en que Ford iniciará su camino como director. Ese año dirigirá una película de dos rollos, The Tornado, donde asimismo él figuraba como protagonista. Evidentemente se trataba de un western, el primero de una larga serie. Ford con su postura humilde y socarrona explica que su oportunidad de rodar su primera cinta le vino de casualidad. Después de una fiesta en el estudio, el director de una película en la que Ford participaba no acudió al rodaje, éste iba a ser visitado por Carl Laemmle en persona. Nuestro protagonista improvisó. Se puso detrás de la cámara y rodó lo que tocaba durante la visita del dueño del estudio. A Laemmle le gustó la iniciativa y decidió darle trabajo como director. Al menos es como lo cuenta Ford.
Durante la primera década como movie-maker, la principal influencia que recibió fue la de su hermano Francis. John Ford lo explica en el libro-entrevista que le dedicó Peter Bogdanovich:
- ?¿Quiénes influyeron en usted al principio?
- Bueno, pues mi hermano Frank, que era un gran cameraman, y de todas esas cosas que dicen que son tan nuevas, de las que hacen ahora las había hecho ya él; verdaderamente era un buen artista, un músico maravilloso, un actor imponente, un buen director; era de esos que hacen un poco de todo y todo lo hacen bien; lo que le pasaba es que no podía concentrarse demasiado tiempo en una sola cosa. Pero fue el único que influyó sobre mí en las películas?. (Vid. BOGDANOVICH, P. John Ford. Madrid: Fundamentos, 1971, p. 49).
La verdad es que su hermano Francis era un cineasta con experiencia, durante su carrera dirigió cerca de 600 cintas de diversa duración, por lo que con toda seguridad debía conocer el oficio sumamente bien. Después de The Tornado, Ford rodó diversas cintas de dos rollos. En ellas inició su larga colaboración con Harry Carey con el que rodaría cerca de treinta filmes. En 1917 rodó su primer largo, Straight Shooter con Carey como estrella. Éste y John Ford sintonizaron a la primera. Dejemos de nuevo que Ford nos lo explique:
- ?Bueno, con Carey, por lo general nos hacíamos los guiones entre él y yo. Por fin conseguimos un escritor que lo tomaba todo en taquigrafía y lo pasaba a máquina para el equipo, porque, desde luego, eso no sabíamos hacerlo nosotros. Las películas de dos rollos se hacían en unos cinco días, seis como mucho. Nos íbamos todos a caballo a los exteriores, rodábamos hasta que oscurecía, y luego acampábamos con sacos de dormir. Nos quedábamos allí hasta que terminábamos la película y luego volvíamos a caballo otra vez?.
A pesar de que Ford trabajó con estrellas del western silente como Hoot Gibson o Tom Mix, Harry Carey era su preferido. Daba un vaquero totalmente diferente a Mix o Gibson. Era un tipo desastrado, buena persona, noble y que se metía en problemas sin desearlo. No era el típico justiciero vestido de blanco que asolaba las pantallas de la época, era un tipo normal, real.
Ford y Carey rodaron diversos éxitos para la Universal durante los diez: A Marked Man (1917), Wild Women (1918), La Gota de Sangre (The Scarletdrop, 1918), Hombres sin Armas (Roped, 1919), El Jinete Vengador (Riders of Vengeance, , 1919), The Outcasts of Poker Flat (1919), The Rider of the Law (1919) o Marked Men (1919). De algunas de ellas ya hemos hablado con anterioridad en algunos capítulos precedentes. Fueron cintas de mayor o menor éxito y de diferente calidad, pero todas ellas ayudaron a Ford a forjar su estilo y su técnica y a hacerse un nombre en la profesión.
En los años veinte su andadura continuó en Universal junto a Harry Carey, con el que realizó filmes como The Freeze Out (1921) , Caminos de desesperación (Desperate Trails, 1921) u otras de las que hablaremos en futuras entregas. También realizó películas en las cuales no aparecía Carey y no eran westerns como The Prince of Avenue A (1920) o The Girl in nº 29 (1920). En 1921 realizó su última película para la Universal, Sure Fire. No volvería a los estudios de Laemmle hasta los años treinta en los que realizó una única película, Hombres sin miedo (Air Mail, 1932), que supondría su primera colaboración con el ex piloto y guionista, Frank ?Spig? Wead, del cual realizaría un biopic, Escrito bajo el sol (The Wings of the Eagles, 1957), que a la vez es una de sus mejores películas.
Ford aprendió el oficio en la Universal. Cuando se marchó a inicios de los veinte a la Fox estaba preparado para mayores empresas cómo lo demuestra El Caballo de Hierro (The Iron Horse, 1924), posiblemente el mejor western de la Era Silente. En la Fox realizó algunas películas estupendas que ya daban muestras de lo que sería su sello durante la madurez: puesta en escena primorosa, dominio asombroso del encuadre, dirección de actores excelente, temas recurrentes como la figura de la madre, el humor ante la adversidad, el honor del derrotado. Temas y estilo que seguirían evolucionando en los treinta y que eclosionaría en los cuarenta.
En 1936 realizará Prisionero del odio (Prisioner of Shark Island), notable película que resulta importante por ser la última colaboración con Harry Carey. Después de tantos años y películas juntos se separaron. Ninguno de los dos dijo nunca porqué sucedió, pero Ford siempre tuvo por Carey una profunda admiración, hasta el punto de que le dedicó su mejor película, la obra maestra Centauros del desierto (The Searchers, 1956).
John Ford otorgó a los westerns algo nuevo que no tenían durante su época. El bueno no era el chico vestido de blanco y el malo, el tiparraco con un siniestro traje negro. Los personajes de Ford eran ricos en matices. Siempre había algo más de lo que se veía. El dominio del encuadre y los rodajes en exteriores hacían de él un director ideal para explicar las historias de los pioneros americanos, de los conductores de reses, de los cuatreros, de los caza recompensas?Podríamos decir que si bien el Ford de los años 10 y 20 no era el maestro de veinte años después, otorgó a un género incipiente algunas de sus principales claves que harían de él el género cinematográfico norteamericano por excelencia.
Después de dejar la Universal, John Ford pasaría por la Fox, RKO, Warner, la Metro. En todas ellas realizaría las obras que le auparon al Olimpo del Séptimo Arte: Cuatro hijos (Four Sons, 1928), El Delator (The Informer, 1935), La diligencia (The Stagecoach, 1939), Las uvas de la ira (The Grapes of Wrath, 1940), ¡Qué verde era mi valle! (How Green was my Valley!, 1941), They Were Expendable (1945), Pasión de los fuertes (My Darling Clementine, 1946), Wagon Master (1950), El hombre tranquilo (The Quiet Man, 1952), Cuna de héroes (The Long Gray Line, 1955), Centauros del desierto (The Searchers, 1956), Escrito bajo el sol (The Wings of the Eagles, 1957), Dos cabalgan juntos (Two Rode Together, 1961), El hombre que mató a Liberty Valance (The Man who Shoot Liberty Valance, 1962), El gran combate (Cheyenne Autumn, 1964) o Siete mujeres (Seven Women, 1966), por citar unas pocas. Ford brilló en todos los géneros cinematográficos, no sólo los westerns se le daban bien, comedias, melodramas, películas bélicas, todo tenía cabida en el universo fordiano.
Cabe citar el hecho de que nuestro protagonista junto a su amigo y también pionero del cine Merian C. Cooper, fundó su propia productora, la Argosy Productions, con la cual, lejos de los tentáculos de las majors pudo expresarse libremente en algunas de sus mejores películas, como, La Legión invencible (She Wore a Yellow Ribbon, 1949), Fort Apache (1948) o Río Grande (1950), todas ellas protagonizadas por su querido John Wayne.
Ford tiene la virtud de que incluso sus películas menos interesantes o menos brillantes son muy superiores a algunas de las obras mayores de otros directores. Incluso un insigne como Ingmar Bergman decía de él que era el mejor cineasta del mundo. Sin embargo, a finales de los cincuenta y en especial con su último filme, Siete mujeres, la crítica dijo de él que estaba acabado, que se había vuelto un sensiblero, que se traicionaba a él mismo?Esto hizo daño a nuestro director que no se volvió a poner detrás de una cámara nunca más a pesar de tener diversos proyectos que nunca se llevaron a cabo y que prometían ser excelentes películas.
Después de diversos homenajes de la industria, e incluso del propio Presidente de Estados Unidos, John Ford murió acompañado de los suyos en 1973, dejando como legado la obra más imponente del Séptimo Arte.
CAPÍTULO 9
paramount 1921 - LAS ESTRELLAS
Priscila Dean (1896-1987)
Nació en St. Louis, Missouri el 15 de abril de 1891 y pronto debutó en los escenarios al lado de sus padres. Era hijo del escritor de teatro y productor Hal Reid y éste procuró a Wallace una excelente formación, que se educó en la escuela privada. Este hecho es relevante porque no era habitual, a principios del siglo XX, enviar a los hijos a las mejores escuelas a menos que se tuviera un modelo de vida respetable a nivel económico y social (el mundo del espectáculo no estaba considerado como un círculo excesivamente honrado y decente). Así que Wallace pudo desarrollar sus capacidades y destacó sobre todo por su habilidad deportiva y musical.
En el 1910, su padre se fue a Chicago en busca de una buena oferta de trabajo en el Selig Ployscope Studio y Reid lo siguió con la idea de trabajar de cámara para el mismo. Pero gracias a su figura atlética y sus ya mencionadas habilidades pronto dejó de filmar y se convirtió en actor. La primera película en que apareció al otro lado de la cámara fue The Phoenix, en el mismo año 1910.
Primero apareció como figurante en varios films y poco a poco se hizo un lugar como actor llegando a formar pareja con Florence Turner en numerosas películas de los inicios del cine. Pero lo que en realidad deseaba Wallace Reid era dirigir y escribir y llevó a cabo las más diversas tareas en diferentes películas. En realidad, su gran salto hacia Hollywood lo hizo como segundo cameraman para el director de la Universal Otis Turner llegando a convertirse en asistente de director en los años 20.
En el 1913 se casó con Dorothy Davenport, una de las actrices que habían trabajado con él. Mientras tanto sus interpretaciones se hicieron cada vez más importantes en las películas en que participaba. Desarrolla un pequeño papel en la obra maestra de D. W. Griffith El nacimiento de una nación (The Birth of a Nation, 1915).
Poco después firmó un contrato con Famous Players como estrella de la productora y sus sueños de dirigir acabaron. Su primer film con la primitiva Paramount fue The Chorus Lady el mismo 1915, pero intervino en unas 60 películas de la productora hasta su muerte, ya que hasta ese momento estuvo vinculado a la misma. Destacan películas como Intolerance (1916) y The Squaw Man?s Son (1917) en donde él representa lo mejor del ideal americano como también The Roaring Road (1919), Excuse My Dust (1920) y Double Speed (1920), films que marcan el inicio de un género que se puso de moda en la época y que ha ido resurgiendo en ocasiones posteriores: las películas en que automóviles, carreteras y conductores son los protagonistas.
El año 1921 participó en tres de las películas de la Paramount, The Charm School, Forever y The Affairs of Anatol (en esta última aparecía junto a Gloria Swanson); estaba en la cima de su carrera artística. Como muchas de las estrellas de Hollywood se vio envuelto en escándalos diversos, uno relacionado con el rodaje de The Valley of the Giants (1919) y otro el 1922, un año antes de morir. Los años finales de su vida fueron turbulentos ya que Wallace era alcoholico y su salud se resintió de gravedad en los años 20. Empezó a ir de casa de curación en hospital hasta morir el 18 de enero de 1923 en Los Ángeles.
Agnes Ayres
Se la conocía como Agnes Ayres pero, al igual que otras estrellas, su nombre verdadero, Agnes Eyre Henkel, sólo se parecía al artístico. Había nacido el 4 de abril en Carbondale, Illinois.
Fue una actriz extremadamente popular en los años del cine de mudo sobre todo en la década de los 20. Su fama alcanzó la cumbre gracias al coprotagonismo con estrellas consolidadas como Rudolfo Valentino y suparticipación en películas que tuvieron gran importancia y reconomcimiento como por ejemplo El Caíd (The Sheik, 1921) y El hijo del Caíd (The Son of the Sheik, 1926).
Sus inicios son muy parecidos a los de Gloria Swanson. De hecho, empezaron actuando para la misma productora, la Essanany y hasta llegaron a compartir camerino cuando ninguna de las dos habían alcanzado el estrellato. Agnes Ayres debutó en cine el 1915 para la ya citada productora. Tiempo después se convirtió en una de las estrellas contratadas por la Paramount. Ayres se caracterizaba por ser una actriz muy expresiva. En la Paramount trabajó también en películas como Forbidden Fruit (1921) o The Affairs of Anatol (1921).
Al igual que otros actores de la época, su popularidad finalizó con el advenimiento del cine sonoro. Fue conocida mientras las películas fueron mudas pero no superó el reto de hablar en la gran pantalla y por lo tanto desapareció de las mismas en los años que siguieron a 1930. Tuvo, a pesar de todo, una última y puntual intervención años después de su caída en el film Almas en el mar (Souls at Sea, 1937). Tuvo gran éxito en su trayectoria como actriz pero no logró trascender de la misma manera que otras víctimas del sonido.
En 1921, se casó con Frank P. Schuker; pero su matrimonio, como tantos otros entre la gente de Hollywood, no duró demasiado y poco después se divorció y se casó con Manuel Reachi con el que tuvo un hijo y también con el que también acabó por divorciarse en 1927. Murió a causa de una hemorragia cerebral el 25 de diciembre de 1940 en Los Ángeles.
Las películas
The Affairs of Anatol
Ficha técnica
Director: Cecil B. DeMille. Guión: Jeanie Macpherson. Música: Brian Benison. Montaje: Anne Bauchens. Director artístico: Paul Iribe. Vestuario: Travis Banton. Productor: Cecil B. DeMille. Producción ejecutiva: Howard Higgin. Intérpretes: Wallace Reid (Anatol), Gloria Swanson (Vivian Spencer, su mujer), Wanda Hawley (Emilie Dixon), Theodore Roberts (Gordon ?Kewpie? Bronson), Elliott Dexter (Max Runyon), Theodore Kosloff (Mr. Nazzer Singh), Agnes Ayres (Annie Elliott), Monte Blue (Abner Elliott), Bebe Daniels (Satan Synne). Muda. B/N
Sinopsis argumental:
Anatol Spencer es un miembro reconocido de la alta sociedad. Está casado con Vivian Spencer y forman un matrimonio respetable que aparentemente tiene la mejor relación. Pero Anatol es un hombre inconstante, se enamorará de Emilie con quien mantendrá una aventura. Su amigo, Max junto a otras circunstancias, le harán comprender la necesidad de volver a ser fiel a su esposa.
Se trata de una película de marcado carácter moralista pero que se encuentra dentro del género de la comedia sexual de esa época y típico de Cecil B. DeMille, el director. Son películas que nos parecen inocentes pero en las que subyacen un conjunto de significados en todos los gestos y diálogos que en la época se entendían y eran, a veces, muy fuertes. El cine tenía mecanismos de expresión que le permitían hablar de temas y explicar actitudes tabú mediante convencionalismos y lenguajes sutiles que hoy debemos analizar para comprender la importancia y la trascendencia que llegaron a tener algunos films como éste en su momento.
Se trata de un vehículo al servicio de Swanson y Reid que a pesar de todo va más allá. Cecil B. DeMille empieza a demostrar su maestría en esta singular película muy acorde con la moralidad de la sociedad de la época, pero también en cierta manera comprometida y de denuncia de un hecho que se daba con frecuencia: los engaños y las vías alternativas de escape detrás de las apariencias y el éxito social.
El Caíd - The Sheik
Ficha Técnica:
Director: George Melford. Basada en una novela de Edith Maude Hull. Intérpretes: Rudolfo Valentino (Sheik Ahmed Ben Hassan), Agnes Ayres (Lady Diana Mayo), Patsy Ruth Miller (Zilahl), George Waggner (Yousaef), Frank Butler (Sir Aubrey Mayo), Charles Brinley (Mustapha Ali), Lucien Littlefield (Gaston), Adolphe Menjou (Raoul de Saint Hubert), Walter Long (Omair). Duración: 80 min. Muda. B/N
Sinopsis Argumental:
Sheik Ahmed conoce a Lady Diana en una fiesta de sociedad y queda gratamente impresionado por ella. Decide raptarla y la lleva a su lujoso palacio en medio del desierto. Diana se resiste a esta cautividad y consigue escaparse pero en su fuga cae en manos de Omair, un bandido del desierto. Ahmed la rescata y surge la pasion entre los dos.
Este es el film de Valentino que más fama alcanzó, de tal modo que se hizo una segunda parte pocos años después, The Son of Sheik (1926). Es una película que marcó una época, consiguió emocionar y convulsionar una sociedad que vivía atada aún por muchas convenciones sociales. La historia es cautivadora: una mujer noble y blanca raptada por un jefe de un pueblo del desierto; por lo tanto, bárbaro e infiel. Las circunstancias de la acción tienen un gran relieve porque así como para los hombres podía existir un ápice de libertad o permisividad respecto al aparejamiento con mujeres de otras culturas y etnias, a las mujeres no se les permitía casi ni escoger con quién debían casarse. Se potencia el amor, la pasión en circunstancias imposibles y un tanto escandalosas.
Empieza así una tendencia que el cine explotará al máximo hasta nuestros días: lo que se cuenta en la gran pantalla es el reflejo de las aspiraciones de la gente, que las ve así realizadas aunque sólo sea por unos instantes y en su imaginación. Rodolfo Valentino personifica el mito erótico que le hará famoso de manera total.
También el escenario es sumamente adecuado, el orientalismo del film encaja mucho con la experiencia colonial de los países occidentales en un momento, el período de entreguerras, en que el turismo y el exotismo se pusieron de moda entre las clases sociales que se podían permitir viajar a extraños y lejanos lugares. No es de extrañar, pues, que el éxito acompañara a este drama.
Las dos huérfanas - Orphans of the Storm
Ficha técnica:
Director: D. W. Griffith. Intérpretes: Lillian Gish (Henriette Girard), Dorothy Gish (Louise Girard), Joseph Schildkraut (Chevalier de Vaudrey), Frank Losee (Conde de Linieres), Katherine Emmet (Condesa de Linieres), Morgan Wallace (Marqués de Praille), Lucille La Verne (Madre Frochard), Sheldon Lewis (Jacques Frochard), Frank Puglia (Pierre Frochard), Creighton Hale (Picard), Leslie King (Jacques-Forget-Not), Monte Blue (Danton), Sidney Herbert (Roberspierre), Lee Kohlmar (Luis XVI), Duración: 150 min. Muda. B/N
Sinopsis argumental:
Louise Girard es una huérfana aristócrata que fue abandonada a las puertas de un convento después de la muerte de sus padres. Es acogida en casa de Girard, un pobre hombre, y crecerá con Henriette Girard, su hermana adoptiva. Cuando ambas llegan a la edad adulta se dirigen a París en busca de un futuro mejor. Allí Henriette suplanta la personalidad de Louise y se casa con un aristócrata. Louise se casa con el Chevalier de Vaudrey que es el único que cree en ella. Estalla la Revolución francesa y ambas se vuelven a ver unidas por las circunstancias.
Película muy interesante como documento histórico, ya que Griffith vuelve a tratar el tema de la revolución y contrapone los hechos narrados por él mismo en El nacimiento de una nación (The Birth of a Nation, 1915) con los ocurridos en la Revolución francesa que a su vez le sirve para hablar de la Revolución rusa. Presenta a un Danton y un Robespierre totalmente corruptos a los que lo que menos les interesa es el bien del pueblo. La desorganización y la injusticia son atribuidas como parte fundamental de esta revolución, totalmente al contrario de la loa que hace él mismo a la Guerra de Secesión.
Utiliza un hecho histórico que él considera paralelo a la Revolución bolchevique que se ha dado en Rusia pocos años antes, para situarlo en el lado contrario de lo que él considera que fue el nacimiento de su país como auténtica nación. No es, pues, una película con interés histórico en la recreación de la Revolución francesa en sí, sino que busca interesadamente la comparación tendenciosa entre el capitalismo-liberalismo americano y el comunismo ruso.
La película no fue muy bien acogida por el público que no entendió todo lo que se esconde detrás de una trama aparentemente sencilla. El enorme presupuesto con que contaba la producción no fue compensado por los beneficios. A partir de ésta todas la películas de Griffith iban a dejar de ser rentables.
CAPÍTULO 10
UNIVERSAL 1921 - LAS ESTRELLAS
Priscila Dean (1896-1987)
Priscilla Dean podría ser uno de los muchos ejemplos del efímero estrellato del cine silente. Los casos como el de Priscilla Dean fueron frecuentes. Actores y actrices que no encajaron la llegada de las talkies ?como se llamaba entonces a las películas sonoras? y se fueron paseando de producción en producción, cada vez de menor prestigio y presupuesto, hasta dejar el mundo del cine. De finales de la década de los diez hasta el final de la época muda, Priscilla Dean fue una de las estrellas más importantes de la Universal, pero hoy en día pocos recuerdan su nombre y lo que es peor, muy pocas de sus cintas se conservan.
Nacida en 1896 en el seno de una familia de tradición teatral ?sus padres eran actores? debutó en el escenario en 1911 en una de las producciones de su familia. Con 14 años fue contratada por la Biograph para hacer una serie de películas de un rollo. Al año siguiente, Universal Pictures la contrata en exclusiva, haciéndole protagonista de una serie de comedias interpretadas por Eddie Lyons y Lee Moran, que tuvieron una estupenda acogida por parte del público. Pero no será hasta 1917 ?cuando protagonice el serial The Gray Ghost? en que Priscilla Dean saltará al estrellato. A partir de este momento protagonizará importantes producciones de la Universal y será un rostro familiar de las revistas de cine. Entre sus títulos más importantes figuran Beloved Jim (1917), The Wicked Darling (1919), The Virgin of Istanboul (1920), Reputation (1921), Outside the Law (1921) ?uno de los mayores éxitos del año para la productora durante 1921? o Birds of Prey (1927). Con la llegada del sonoro su estrella se apagó. Después de hacer cuatro filmes sonoros ?todos ellos de segunda clase y para estudios independientes de escaso renombre? se retiró del mundo del plató.
Hoot Gibson (1892-1962)
Hoot Gibson junto a Tom Mix y Harry Carey forma el terceto de cowboys más famoso del cine mudo. Antes de entrar en el mundo del cine, Gibson tenía una amplia experiencia en el universo fílmico que reflejaron John Ford o Howard Hawks. Trabajó en un circo y posteriormente condujo ganado como hemos visto en centenares de filmes a lomos de un caballo a través de las vastas llanuras de los Estados Unidos. Hoot Gibson también se labró una reputación como estrella del rodeo. Así que, al llegar a Hollywood, los sombreros Stetson, los caballos, los Colts... no le eran desconocidos.
Contratado por la Universal, empezó su trabajó en el estudio como especialista, pero John Ford, por aquel entonces Jack Ford, se fijó en él y no dudó en hacerlo el compañero ideal de Harrey Carey. Al igual que Carey, Gibson interpretaba a un vaquero buenazo, de buen corazón, que se metía en líos sin proponérselo, pero con un tono cómico más acentuado que el personaje de Carey. Uno de los principales westerns que protagonizaron fue Straight Shooting (1917). Durante los años veinte, y después de intervenir en diversas cintas de dos rollos, se convirtió en una de las estrellas del estudio y protagonizó las principales películas del Oeste de la Univeral: Sure Fire, Acción enérgica (Action) ?ambas de 1921 y rodadas para Ford?, Hit and Run (1924), Calgary Stampede (1925), The Silent Rider (1927) o King of the Rodeo (1929).
El salto al cine sonoro no representó ningún trauma para Gibson; al contrario, se adaptó con facilidad. Sin embargo, Universal decidió no producir más westerns durante los treinta y Hoot Gibson dejó el estudio. Fue contratado por diversos estudios de poca importancia para protagonizar horse operas (westerns baratos de tintes cómicos). Su estrella se apagó durante los cuarenta cuando protagonizó un par de cintas para la Monogram. En ellas aparecía gordo, avejentado y sin su chispa y gracia habituales. Poco después dejó el cine. Enfermó de cáncer durante los años cincuenta, y debido a las enormes deudas que acumuló durante su enfermedad tuvo que trabajar en Las Vegas como animador y protagonista de vergonzosos espectáculos realizados en los casinos de la ciudad. No obstante, en 1959 su mentor ?John Ford? lo rescató momentáneamente para realizar un papel secundario en Misión de audaces (Horse Soldiers). Sin lugar a dudas, una bonita despedida para una leyenda del mundo del western.
LAS PELÍCULASOutside the Law
Sinopsis argumental
?Silent? Madden y su hija Molly, son dos delincuentes del Chinatown de San Francisco, que hartos de su vida deciden reformarse. Sin embargo uno de sus antiguos compinches, ?Black Mike? Sylva decide saldar cuentas con ellos. Madden ingresará en la cárcel debido a las maquinaciones de Sylva. Éste decide hacer lo mismo con su hija, pero no cuenta con que uno de los miembros de banda, Ballard, el ejecutor de su plan, se ha enamorado de Molly. Finalmente, la policía arrestará a Sylva y Molly se podrá reunir con su padre.
Hoy en día Outside the Law no es un filme que figure en las antologías de grandes películas de la historia del cine, incluso hasta finales de los años setenta se daba por desaparecido, cuando se encontró una copia en el granero de una granja. Sin embargo, la película contiene tres nombres en los que fijarse: su director fue Tod Browning y sus principales protagonistas eran Priscilla Dean y Lon Chaney. Browning era uno de los principales directores del estudio y uno de los más brillantes realizadores americanos de los años veinte y treinta, y eso se percibe en la película. La atmósfera opresora, la tensión que dominaba la cinta, los personajes ?en especial el de Sylva, interpretado por Chaney? llevaban el sello de Browning. Para la realización de la película, Tod Browning contó con la mayor parte del equipo técnico-artístico del éxito del año anterior The Virgin of Istanboul.
Por otro lado, su protagonista femenina era Priscilla Dean, la reina del estudio por aquel entonces. Nadie como ella para interpretar a una chica desvalida pero valiente ante la adversidad. Sin embargo, aparte de la meritoria dirección de Browning, la cinta destaca por la interpretación del ?Hombre de las mil caras?: Lon Chaney. La película es una clara demostración del talento de Chaney aun sin la ayuda de maquillaje. Lo que venía a callar las críticas de cierto sector que argumentaban que la brillantez de Lon Chaney se fundamentaba en su habilidad transformista. Pocos actores podían reflejar la maldad como el Chaney de Outside the Law. El tándem formado por Browning y Chaney volvió a funcionar y la Universal recibió numerosos dividendos por la cinta y el beneplácito de la crítica.
Ficha Técnico-Artística
Outside the Law (Universal Film Manufacturing Company, 1921)
Director: Tod Browning
Guionista: Tod Browning, Gardner Bradford
Fotografía: William Fildew
Dirección artística: E. E. Sheeley
Directores de segunda unidad: Leo McCarey
Intérpretes: Priscilla Dean (Molly), Lon Chaney (?Black Mike? Sylva), Wheeler Oakman (Dapper Bill Ballard), Ralph Lewis (?Silent? Madden), E. Allyn Warren (Chang Lo). B/N.
Como en el año 1920, John Ford fue uno de los directores que más trabajaron en el estudio. Realizó cinco películas: The Freeze Out, The Wallop, Caminos de Desesperación (Desperate Trails), Acción enérgica (Action) y Sure Fire, el último western dirigido por Ford para la Universal. De ellas Caminos de Desesperación y Acción enérgica son las más recordadas. Que Ford dirigiera cinco westerns en un año no es extraño. Durante ese año el estudio rodó varias decenas de ellos y durante mucho tiempo fue considerado el estudio especializado en el género. Eran películas con un coste de producción no muy elevado, pero con una estupenda respuesta por parte del público que abarrotaba las salas para ver las aventuras de un pasado reciente, el del Far West.
Caminos de desesperaciónSinopsis argumental
Carson rompe con su novia y dirige sus atenciones hacia la viuda Walter. Incluso irá a la cárcel por proteger al hermano de ésta. Pero en la cárcel descubre que no es el hermano de la Srta. Walter sino su marido. Carson escapará de la cárcel para ajustar cuentas.
La película fue alabada en su día por la fotografía en exteriores y la hábil dirección de Ford, en especial en las escenas de acción. Ford también era partidario de la película ? entre otros motivos su hijo Patrick nació durante su rodaje? tanto que, en alguna ocasión se planteó el rodaje de una versión sonora.
Ficha Técnico-Artística
Caminos de Desesperación (Desperate Trails) (Universal-Special, 1921)
Director: John Ford
Guionista: Elliot J. Clawson
Fotografía: Harry C. Fowler y Robert De Grasse
Intérpretes: Harry Carey (Carson), Irene Rich (Sra. Walter), George E. Stone (Danny Boy), Helen Field (Carrie), Barbara La Marr (Lady Lou). 5 rollos. B/N
Acción enérgicaSinopsis argumental
Molly es una huérfana dueña de un rancho que pasará diversas penalidades. Víctima de unos bandidos que creen que hay oro en el rancho ?finalmente lo habrá? pierde éste y es enviada a un internado del Este ?puesto que es una menor?. Molly volverá y se enamorará de un vagabundo que merodea por el rancho, Sandy. Sin embargo, todavía tiene que recuperar el rancho.
Sin ser una de las grandes películas de Ford, Acción enérgica tuvo una buena respuesta. La cinta era una muestra de las películas protagonizadas por Hoot Gibson: acción, humor, lágrimas..., todo ello aderezado por un consumado maestro de ceremonias, Ford. El filme supuso el debut de su hermano Francis ?antiguo afamado director de la Universal? como actor. Labor que repetiría en multitud de cintas, hasta formar parte de la famosa compañía de actores del director.
Ficha Técnico-Artística
Acción enérgica (Action) (Universal-Special, 1921)
Director: John Ford
Guionista: Harper Gates
Fotografía: John W.Brown
Intérpretes: Hoot Gibson (Sandy Brooke), Francis Ford (Francis Soda Manning), J. Farrell McDonald (Mormon Peters), Clara Horton (Molly Casey), Buck Conners (Pat Casey), Byron Munson (Nenry Meekin).
5 rollos. B/N